‎École‎

‎Piccinni Antonio (Trani 1846 – Roma 1920)‎

‎L'avaro‎

‎Acquaforte, 1878, firmata e datata in lastra in basso a destra. "A. Piccinni / Roma 1878" seguita dal titolo sotto "L'Avaro". Magnifica prova, impressa su carta cina applicata, con margini, in perfetto stato di conservazione. Un vecchio avaro che indossa un lungo cappotto appoggiato su uno scrittoio aperto, con la mano appoggiata su un mucchio di monete. Pittore e incisore italiano soprannominato “il re dei disegnatori”. La più grande vocazione dell’artista è, infatti, la grafica. Dal 1860 studia a Napoli all’Istituto di Belle Arti sotto la guida di maestri come Domenico Morelli (Napoli 1826 – 1901), Filippo Palizzi (Vasto 1818 – Napoli 1889), Tommaso Aloysio Juvara (Messina 1809 – Roma 1875) e Francesco Pisante (Napoli 1830 – 1889). Qui egli studia la tecnica dell’acquaforte d’invenzione e aderisce al verismo di matrice palizziana. Agli inizi del 1873 si trasferisce a Roma e frequenta i corsi di incisione alla Calcografia Nazionale. Tra il 1878 e il 1880 è a Parigi presso l’editore Cadart e proprio questa parentesi parigina colloca il Piccinni tra gli artisti europei fautori della rinascita dell’acquaforte originale. Sperimentatore delle nuove possibilità legate al mezzo fotografico è tra i primi in Italia a impiegare la fotoincisione tra il 1874 ed il 1886. I temi affrontati da Piccinni dimostrano l’attenzione costante verso i gesti più semplici della quotidianità della vita, gli individui vengono rappresentati come modelli di categorie sociali. Etching, 1878, signed and dated in plate at lower right "A. Piccinni / Rome 1878" followed by title below "The Miser". Magnificent proof, impressed on applied China paper, with margins, in perfect condition. An old miser wearing a long coat leaning on an open desk, his hand resting on a pile of coins. Piccinni was one of the European artists who were responsible for the rebirth of the original etching. Experimenter of the new possibilities related to the photographic medium, he is among the first in Italy to use the photoengraving between 1874 and 1886. The themes addressed by Piccinni show the constant attention to the simplest gestures of everyday life, individuals are represented as models of social categories. A. Petrucci, “A. Piccinni incisore”, 1931, p, 220, f. 126‎

‎MICHETTI Francesco Paolo (Tocco da Casauria 1851 – Francavilla al Mare 1929)‎

‎L'enfant au panier‎

‎Acquaforte, 1880 circa, firmata in lastra in basso. Esemplare nel quinto stato di sei, con l’indirizzo di Cadart. Bellissima prova, impressa su carta vergata coeva, con margini, in buono stato di conservazione. Pittore, incisore e fotografo abruzzese. Si forma presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli sotto Domenico Morelli che ne riconobbe immediatamente le doti. L’ambiente napoletano lo spingerà a dedicarsi ad una pittura realista e naturalista grazie anche ai contatti con Filippo Palizzi, Giuseppe De Nittis e Marco De Gregorio, artisti della cosiddetta Scuola di Resina. Abbandonata l’Accademia per la troppa rigidità torna in Abruzzo a Francavilla. Nel 1871 parte per Parigi per partecipare al Salons, apprezzato dal pubblico e dalla critica riesce a farsi conoscere da un pubblico internazionale; a Parigi presso l’editore Cadart vengono pubblicate le quattro lastre che hanno così una tiratura regolare: Cueillette d’olives dans les Abruzzes 1875, L’enfant au panier, Gardeuse de dindons, Jeunes bergers des environs de Chieti. Le altre quattro lastre note di Michetti Tatone, Ragazza alla fontana, Pastorella abruzzese e Ritratto di anziano sono ad oggi note in pochissimi esemplari. L’incontro con il pittore spagnolo Mariano Fortuny nel 1874 a Napoli favorisce un cambiamento nella tavolozza e lo avvicina a soggetti più folkloristici. Intorno al 1879 risale la sua amicizia, fratellanza con il vate Gabriele d’Annunzio che considera l’artista mei dimidium animi. Nel cosiddetto Conventino, abitazione e studio di Michetti a Francavilla, si riunisce il cenacolo michettiano: un’esperienza unica in cui il pittore Michetti, il poeta Gabriele d’Annunzio, lo scultore Costantino Barbella e il musicista Francesco Paolo Tosti – ai quali poi si uniranno altri scrittori ed artisti – lavorarono insieme e sviluppano il tema comune della natura e della gente d’Abruzzo. Una bambina in abiti tradizionali incede frontale verso lo spettatore. La figura è in piena luce, si staglia su uno sfondo costituito da una fitta boscaglia, potente è l’uso del chiaroscuro che conosce la lezione di Rembrandt. La bimba ha le braccia appoggiate sul ventre per reggere un cestino, i capelli mossi incorniciano il volto, sembra che stia canticchiando e il particolare degli orecchini e della collana di perle accentuano la luminosità del suo incarnato. Il soggetto è già affrontato in pittura, in particolare nel dipinto La Petite Fille au panier sul mercato parigino nel 1875 come appartenente alla collezione H. Nel catalogo di venidita il dipinto è illustrato con l’incisone di Michetti che dunque costituisce un termine ante quem di datazione della lastra. La figura è costruita con il tipico segno fine e libero di Michetti, un segno graffiato, elegante; i volumi sono costruiti con un fitto e irregolare intrecciarsi di tratti delicati e punti, morsure successive marcano progressivamente le zone in ombra. Firma nella lastra in basso a destra P Michetti. Nel margine inferiore oltre l’immagine a sinistra “Paolo Michetti del. et sc. “, titolo al centro, a destra “Imp.Cadart, Paris” e a sinistra “Gazzette de Beaux-Arts”. L’esemplare è tratto da La Gazette des Beaux-arts numero del marzo 1880. Etching, circa 1880, signed in plate at bottom. Exemplar in the fifth state of six, with Cadart's address. Beautiful proof, impressed on coeval laid paper, with margins, in good condition. A little girl in traditional clothes walks frontally towards the viewer. The figure is in full light, stands out against a background of dense brushwood, powerful is the use of chiaroscuro that knows the lesson of Rembrandt. The child has her arms resting on her stomach to hold a basket, the wavy hair frames her face, it seems that she is humming and the detail of the earrings and the pearl necklace accentuate the brightness of her complexion. The subject is already addressed in painting, particularly in the painting La Petite Fille au panier on the Paris market in 1875 as belonging to the H collection. In the sale catalog, the painting is illustrated with Michetti's engraving, which therefore constitutes a terminus ante quem for the dating of the plate. The figure is constructed with Michetti's typical fine and free mark, a scratched, elegant mark; the volumes are constructed with a dense and irregular interweaving of delicate strokes and dots, successive morsure progressively marking the areas in shadow.  Signature in the lower right corner of the plate P Michetti. In the lower margin beyond the image on the left "Paolo Michetti del. et sc.", title in the center, on the right "Imp.Cadart, Paris" and on the left "Gazzette de Beaux-Arts".  The copy is taken from La Gazette des Beaux-arts issue of March 1880. Francesco Paolo Michetti (1851 – 1929) learned painting's rudiments from a local fresco painter. In 1868 he traveled to Naples, supported by a small grant to study at the academy there. Asserting that his temperament would benefit more from real life situations, he was allowed to return to the Abruzzo region in 1869 and continued to receive his grant. Michetti exhibited at the Paris Salons of 1872 and 1875, but he also belonged to Scuola di Resina, a group of Neapolitan painters that aimed to bring Italian art into Europe's mainstream. Abruzzo was his emotional and aesthetic inspiration. He captured its people, animals, and local events in emotionally charged paintings with luminous colors and vibrant light. In 1883 Michetti purchased a convent as his home and studio. For the next twenty years, the convent was a meeting place for Abruzzo's artists and exponents of culture, including writer Gabriele D'Annunzio. Michetti's 1895 Daughter of Iorioinspired D'Annunzio's 1904 tragedy, for which Michetti designed the sets and costumes. From 1872 onward, Michetti also produced small, decorative clay sculptures. After a lukewarm response to his paintings at the 1900 Exposition Universelle in Paris, he abandoned painting, sold his studio, and generally lived as a recluse. Bibliografia: Davoli, 5; Prandi 4 (ill.); V. Bindi, Artisti abruzzesi, Napoli 1883, pp. 172-176; G. D’Annunzio, Nota su F.P. M., in Convito, VIII (1896), pp. 583-592; R. De Logu, Per un profilo di M., in Mostra dei disegni, incisioni e pastelli di F.P. M.‎

‎AVONDO Vittorio (Torino, 1836 - Torino, 1910)‎

‎Campagna Romana‎

‎Acquaforte, circa 1870, dimensioni 160 x 255 mm, impressa su carta coeva, in ottimo stato di conservazione. Firma a matita in basso a desta. Dalla attivissima calcografia Lovera di Torino è stampata l'acquaforte di Vittorio Avondo, artista torinese che studiò a Pisa e Ginevra, per poi approdare al naturalismo morbido e sfumato di Fontanesi. Visse anche a Roma dal 1857 al 1865; forse di quel soggiorno resta un ricordo in questa acquaforte della campagna Romana (della quale esistono anche alcuni dipinti in collezione privata), splendido brano intriso di un'atmosfera elegiaca, malinconica, pervaso di una luce vibrante e sfumature delicate. Le acqueforti dell'artista che si conservano non sono molte, forse una decina. Grande collezionista e conoscitore dell’arte medievale e moderna, oltre che pittore paesaggista, Avondo ebbe un ruolo fondamentale nella storia culturale del Piemonte contribuendo, insieme a Alfredo d’Andrade, allo studio e alla tutela del patrimonio artistico del territorio. Importante la sua figura anche per la GAM, egli fu infatti Direttore del Museo Civico di Torino per un lungo periodo, dal 1890 al 1910, e contribuì in modo significativo alla definizione della raccolta d’arte moderna accogliendo ad esempio la donazione delle opere di Antonio Fontanesi.      La nascita in una famiglia dalle ampie possibilità economiche gli permise di coltivare a tempo pieno la passione per la pittura di paesaggio e di compiere viaggi per l’Europa che ne arricchirono la formazione. Tappa obbligata di questa educazione, dopo un primo alunnato presso Alexandre Calame a Ginevra concluso nel 1857, fu un lungo soggiorno a Roma che si protrasse sino al 1860 e che si rinnovò intorno al 1865. Qui egli ebbe modo di conoscere Nino Costa e frequentare un entourage colto e ricco di stimoli in cui spiccavano artisti come Enrico Gamba, Frederic Leighton, George Mason e i tedeschi legati ai Deutsch Römer, come Anselm Feuerbach, Hans von Marées e lo stesso Böcklin.   Ma fu sopratutto la sua sensibilità a contatto con il vasto scenario della campagna romana a condurlo a superare lo stile minuzioso e finito appreso in Svizzera, a favore di un nuovo linguaggio scarno ed essenziale, in grado di restituire per sintesi gli ampi orizzonti del paesaggio laziale. In questa svolta pare di cogliere un gusto artistico in rapido cambiamento, in cui si riflette l’interesse per la resa del paesaggio “sul vero” - tema che anima il fronte degli artisti più avanzati di quegli anni - e che pare testimoniata anche dall’acquisto delle prime stampe fotografiche di quei luoghi. Una scelta che la mostra restituisce attraverso alcune preziose carte salate di Giacomo Caneva che fanno parte della generosa eredità dei beni che Vittorio Avondo lasciò alla Città di Torino alla sua morte.   Il rapporto tra i suoi schizzi, originariamente raccolti in taccuini, e quelle prime immagini fotografiche offre un ulteriore spunto di riflessione su come si modifichi il modo di guardare al paesaggio in quegli anni: uno sguardo che coglie la natura in presa diretta ma che può anche tornarvi in tempi successivi attraverso gli appunti grafici e le prime immagini fotografiche. Una riflessione che porta a interrogarsi sulla stessa funzione del disegno e su scelte e soluzioni che si discostano radicalmente dalla tradizione accademica.    Si apprende da Giubbini che l'opera è stata pubblicata su "L'Arte in Italia" (agosto 1870, tav. 22) con commento di Camerana a p. 128. Riguardo allo stile Giubbini ha commentato molto favorevolmente questa acquaforte, mettendola in relazione con "il gruppo delle incisioni più 'finite' di Appian"; sul piano della tecnica ha osservato: "Da notare che il processo di semplificazione, probabilmente già forte nel passaggio dal disegno preparatorio al disegno tracciato con la punta sulla vernice, continua nelle fasi successive della lavorazione della lastra attraverso la mancata o parziale morsura di molti dei segni ... Etching, circa 1870, size 160 x 255 mm, impressed on coeval paper, in excellent condition. Signature in pencil in the lower right corner. Printed by chalcography Lovera in Turin. Light, and brilliant landscape with the poetical expression of trees, that recalls the traditional Italian painting of the XIX century. The work is characterized by a well-balanced lightening which created a strong feeling of the scene, with the movement of trees in the wind through intense black made shadows and light in far behind of landscapae. Vittorio Avondo, an artist from Turin who studied in Pisa and Geneva, and then came to the soft and nuanced naturalism of Fontanesi. He also lived in Rome from 1857 to 1865; perhaps a memory of that stay remains in this etching of the Roman Campagna (of which there are also some paintings in a private collection), a splendid piece imbued with an elegiac, melancholic atmosphere, pervaded by a vibrant light and delicate nuances. The etchings of the artist that are preserved are not many, perhaps a dozen. We learn from Giubbini that the work was published in "L'Arte in Italia" (August 1870, table 22) with a comment by Camerana on p. 128. Regarding the style, Giubbini commented very favorably on this etching, relating it to "the group of Appian's most 'finished' etchings"; as far as technique is concerned, he observed: "It should be noted that the process of simplification, probably already strong in the passage from the preparatory drawing to the drawing traced with the tip on the varnish, continues in the successive phases of the working of the plate through the lack or partial biting of many of the marks corresponding to the branches of the trees". A great collector and connoisseur of medieval and modern art, as well as a landscape painter, Avondo (1836 – 1910) played a fundamental role in the cultural history of Piedmont, contributing, together with Alfredo d'Andrade, to the study and protection of the artistic heritage of the territory. He devoted himself to painting from an early age, training in Italy, Switzerland and France. After his return to Piedmont, he became a consultant to the City of Turin and since 1863 is part of the commission responsible for selecting the works for the collections of the Civic Museum. His activities are varied: painter, antiquarian, city councilor and member of numerous cultural institutions. In 1872 he bought the castle of Issogne (Aosta) which he restored and redecorated with the help of Alfredo d'Andrade and Giuseppe Giacosa: starting from this experience he collaborated, from 1882, to the construction of the medieval village of Turin and with Emanuele Tapparelli d'Azeglio to the restoration of Casa Cavassa in Saluzzo. In 1890, he succeeded Tapparelli d'Azeglio as director of the Civic Museum: upon his death in 1910, his personal collection was transferred to the Museum. G. Giubbini, L’acquaforte originale in Piemonte e in Liguria 1860 - 1875, Genova 1976, n.3; A. Dragone, J. Conti, I paesisti piemontesi dell'Ottocento, Milano, 1947; R. Maggio Serra e B. Signorelli, a cura di, Tra verismo e storicismo. Vittorio Avondo (18‎

‎BIGNAMI Adolfo (Bologna 1845 - 1906)‎

‎Dietro la masseria‎

‎Acquaforte originale (cm. 21,8x11,2 più ampi margini) da un dipinto dello stesso Bignami. L'opera fu impressa nella celebre Calcografia torinese di C. Lovera nel marzo 1872. Il Bignami coniugò l’attività di pittore a quella, prevalente, di acquafortista, legato al gruppo degli incisori piemontesi della seconda metà dell’Ottocento dominato dalla personalità di A. Fontanesi. Tra il 1869 e il 1870 visse a Firenze, che raffigurò spesso nei suoi paesaggi. A Torino partecipò, dal 1863, alle mostre della Società Promotrice, affermandosi nel 1871 con tre dipinti: Il pasto ai pulcini, L'ultima ora del lavoro e Le nebbie del mattino in riva all'Arno. Nello stesso anno si segnalò alla Promotrice di Bologna con due paesaggi giudicati «d’impronta vera e di fattura coscienziosa». Le notizie sulla sua attività espositiva si fermano al 1877, poiché l’artista dovette rinunciare precocemente alla pittura per una malattia agli occhi e per vicissitudini familiari. In ottimo stato di conservazione. Etching, lettered along bottom 'Adolfo Bignami dip e inc C. Lovera imp.' followed by title 'Dietro la masseria '(Behind the farmhouse). After a Bignami’ painting. A girl seated behind a building surrounded by poultry The plate was printed by Carlo Lovera in 1872. Excellent condition. Bignami combined the activity of painter to that, prevalent, etching, linked to the group of Piedmontese engravers of the second half of the nineteenth century dominated by the personality of A. Fontanesi. Between 1869 and 1870 he lived in Florence, which often depicted in his landscapes. In Turin participated, since 1863, the exhibitions of the Society Promotrice, establishing himself in 1871 with three paintings: The meal of chicks, The last hour of work and The morning mists on the banks of the Arno. In the same year he was noticed at the Promotrice of Bologna with two landscapes judged "of true imprint and conscientious workmanship". The news about his exhibition activity stop in 1877, since the artist had to give up painting early because of an eye disease and family vicissitudes.‎

‎PASINI Alberto (Bussero 1826 - Cavoretto 1899)‎

‎Abbrutimento (Ricordo di Costantinopoli)‎

‎Acquaforte (mm 229x174; foglio: mm 335x292), monogrammata sulla lastra in basso a sinistra. Esemplare del secondo stato su due, stampato da Carlo Lovera e pubblicata su L’Arte in Italia del novembre 1870. Ottima impressione. Grandi margini, ottima conservazione.  Alberto Pasini nasce a Busseto (PR) nel 1826. Iscrittosi all’Accademia di Belle Arti di Parma ha come maestro Girolamo Magnani, per la pittura. Nel 1851 si reca a Parigi dove, alla scuola dei pittori di Barbizon, si dedica alla pittura di paesaggio. Nel 1855, per interessamento del pittore Théodore Chassériau è aggregato ad una missione diplomatica diretta in Persia. Da qui la svolta nella sua vita. In questo primo e in successivi viaggi in vari paesi affacciati sul Mediterraneo, rimane conquistato dall’Oriente traendone spunti in disegni che poi svilupperà in numerosi dipinti. A Parigi dove si stabilisce espone ai numerosi Salon ottenendo prestigiosi premi. Lo Scià di Persia e il Sultano di Costantinopoli gli commissioneranno varie opere e i collezionisti si contenderanno i suoi piacevolissimi dipinti. Dal 1871 si ritira a Cavoretto, nelle colline piemontesi, non rinunciando tuttavia a continuare a viaggiare a Parigi e Venezia, città che verrà spesso ritratta nei suoi dipinti. Muore a Cavoretto nel 1899. È da considerarsi uno dei più notevoli orientalisti a livello europeo. Bibliografia G. Giubbini, L’acquaforte originale in Piemonte e in Liguria 1860 - 1875, Genova 1976, n.1. Etching (mm 229x174; sheet: mm 335x292), monogrammed on the plate at lower left. Exemplar of the second state of two, printed by Carlo Lovera and published in L'Arte in Italia - November 1870. Very good impression. Large margins, excellent conservation.  Alberto Pasini was born in Busseto and attended the Academy at Parma. From 1851 to 1853 he studied under Eugène Ciceri (1803-1886) in Paris, where he completed his training in the atelier of M.E. Isabey (1813-1890). He made his Salon debut in 1853. From his first visit to Persia in 1855, as part of the suite of the French delegation to the Persian Gulf and Tehran, Pasini specialized in views of remote corners of Turkey and Persia. He travelled to Constantinople between 1868 and 1869 and to Asia Minor and Syria in 1873. Pasini was also a seasoned traveller within Europe and from 1878 visited Venice on several occasions, and made a journey to Spain with Gérôme from 1879 to 1883. "Principally a landscape and architectural painter, Pasini came under the influence of Théodore Rousseau and Fromentin in the late 1850s, though his later style reveals affinities with the Néo-grec school of painters. Apart from his Orientalist work, he painted some genre scenes and subjects taken from Turkish history and was also known for his lithographic work.  "After the Franco-Prussian War (1870-71), Pasini returned to Italy, but continued to exhibit at the Salon until his death in 1899” (MaryAnne Stevens, ed., The Orientalists: Delacroix to Matisse - The Allure of North Africa and the Near East, exhibition catalogue, National Gallery of Art, Washington, DC, 1984, p. 195). References: G. Giubbini, L’acquaforte originale in Piemonte e in Liguria 1860 - 1875, Genova 1976, n.1.‎

‎DE CAROLIS Adolfo (Montefiore dell’Aso 1874 – Roma 1928)‎

‎Il timone‎

‎Xilografia a due legni, 1908, priva di firma. Impressione eccellente su carta avorio liscia. Ottimo stato di conservazione. Ampi margini oltre la linea marginale. Nel primo decennio del 1900, De Carolis dedica molta attenzione alla rievocazione di temi popolari, legati in particolare alle raffigurazioni di marine, così come testimonia questa stampa. L'utilizzo di più colori e quindi di un numero maggiore di legni ben si adatta alla vivacità di questi soggetti. Dopo l'adesione nel '96 al gruppo romano In arte libertas, creato dal paesista Nino Costa, dal 1901 insegna ornato in accademia nella Firenze dei maestri del Rinascimento, del "terribile" Michelangelo, del Böcklin dell'Isola dei morti. Comincia ad ornare libri per D'Annunzio e Pascoli e dal 1903 elabora fregi e d articoli per la rivista "Leonardo" fondata con Papini e Prezzolini.  Fra le rigogliose figurazioni per la Francesca da Rimini (1902), le rusticane de La figlia di Iorio (1904), le lapidarie del Notturno del "Vate" (1917-21), le stampe marinaresche esprimono un'autonoma poetica. Il varo, L'argano, Il timone, La foce, Le arche - xilografie eseguite fra il 1904 e il 1908, mentre in Europa esplodono primi fenomeni d'avanguardia - denotano un lirismo contemplativo invischiato nel ristagno simbolista che connota la situazione italiana all'avvio del secolo. Ma al di là dei convenzionali significati latenti, quelli manifesti aprono - pur aderendo al fervore estetico del giapponismo fin-de-siècle - un discorso etnografico che si fa via via più urgente, teso a documentare l'irripetibile patrimonio che la "novella civiltà livellatrice" viene annientando. L'appello del 1920 (L'arte popolare, in "La Fionda", Roma) riscuote entusiastiche risposte, stimolando una sensibilità che nel 1923 porta all'istituzione del Regio Museo di etnografia italiana, dal 1956 Museo Nazionale delle Arti e Tradizioni popolari. Woodcut, 1908,  printed from two blocks. Excellent impression, printed on ivory paper, wide margins, good condition. De Carolis was an artistic polymath, working as a painter (in particular of murals), interior designer, decorator, xylographer (wood engraver), illustrator and photographer, and is probably the best known exponent of Art Nouveau in Italy. His talent and originality was quickly recognised by two of the greatest Italian writers and poets of the day, Gabriele D'Annunzio and Giovanni Pascoli, and he became their preferred illustrator. Among his most popular works were many illustrations for Gabriele d'Annunzio's novels (Il Notturno, La figlia di Jorio) and Giovanni Pascoli‘s books of poems. In the first decade of the 1900s, De Carolis devoted a great deal of attention to the evocation of popular themes, linked in particular to representations of seascapes, as this print testifies. The use of more colors and therefore a greater number of woods is well suited to the liveliness of these subjects. After joining in '96 the Roman group In arte libertas, created by the landscape painter Nino Costa, from 1901 he taught ornament in the academy in Florence of the Renaissance masters, of the "terrible" Michelangelo, of Böcklin of the Isle of the Dead. He began to decorate books for D'Annunzio and Pascoli and since 1903 elaborates friezes and articles for the magazine "Leonardo" founded with Papini and Prezzolini.  Among the luxuriant figurations for the Francesca da Rimini (1902), the rusticane of The daughter of Iorio (1904), the lapidarie of the Nocturne of the "Vate" (1917-21), the prints marinaresche express an autonomous poetic. Il varo, L'argano, Il timone, La foce, Le arche - woodcuts made between 1904 and 1908, while the first avant-garde phenomena were exploding in Europe - denote a contemplative lyricism caught up in the symbolist stagnation that characterized the Italian situation at the beginning of the century. But beyond the conventional latent meanings, the manifest ones open - while adhering to the aesthetic fervor of Japanism fin-de-siècle - an ethnographic discourse that becomes more and more urgent, aimed at documenting the unique heritage that the "new leveling civilization" is annihilating. The appeal of 1920 (L'arte popolare, in "La Fionda", Rome) received an enthusiastic response, stimulating a sensitivity that in 1923 led to the establishment of the Royal Museum of Italian Ethnography, since 1956 the National Museum of Popular Arts and Traditions.‎

‎Bartolini Luigi (Cupramontana 1892 – Roma 1963)‎

‎La quaglia‎

‎Acquaforte, 1932, esemplare unico terminato ad acquarello. Lastra 130x220 mm. Firmata e datata in lastra 1932. Titolo autografo a matita in basso a sinistra dove riportata l’iscrizione “unica a colori”. Firma a matita in basso a destra “Luigi Bartolini”. Un esemplare unico della stampa viene descritto in diversi repertori (vedi bibliografia sotto) e riprodotto ne Gli esemplari unici o rari (Casini editore, Roma 1952). Il presente esemplare sarebbe dunque l’unico terminato a colori da Bartolini. Luigi Bartolini è considerato uno dei maggiori incisori italiani del Novecento, insieme a Giorgio Morandi e Giuseppe Viviani. Oltre ad essere un prolifico incisore (al suo attivo oltre mille acqueforti), fu anche pittore e scrittore. Partecipò sia come pittore che come incisore a diverse edizioni della Biennale di Venezia dal 1928 al 1962. Presente a varie manifestazioni artistiche, sviluppò diverse maniere definite: ‘maniera bionda’, ‘lineare’ e ‘nera’. Ricordiamo soprattutto le acqueforti della serie Marche e della serie Sicilia.  Iniziò la sua produzione grafica nel 1914 e il suo stile si rifà alla tradizione naturalistica dell’Ottocento. Molte sue incisioni si possono ricollegare ad alcune opere del Goya, di Telemaco Signorini e di Giovanni Fattori. Eccellente nella rappresentazione della natura morta e del paesaggio, spesso il Bartolini rappresentò dolcemente le cose e gli oggetti più umili, i soggetti di natura più dimessi. In essi ritroviamo il sentimento che diviene immagine e la forma che si sviluppa in espressione. Con Bartolini l’incisione torna ad essere un mezzo di espressione poetica libera dal simbolismo e dal vedutismo allora in voga presso le accademie. Nelle sue acqueforti prevale ora un tratteggio leggero (genere biondo), ora una ricerca del chiaroscuro alla Rembrandt (genere nero). Magnifica prova, con margini, in ottime condizioni. Il presente esemplare proviene dalla mostra di Bartolini presso la Galleria d’Arte Moderna Viotti di Torino, tenutasi il 22 febbraio 1969. Viene allegata la targhetta della galleria. Etching, 1932, unique example finished in watercolor. 130x220 mm plate. Signed and dated on plate 1932. Autograph title in pencil at lower left where inscribed "unique in color". Signature in pencil at lower right "Luigi Bartolini". A unique example of the print is described in several repertories and is reproduced in (Casini editore, Roma 1952).   The present example would therefore be the only one finished in color by Bartolini. Magnificent proof, with margins, in excellent condition. The present example comes from Bartolini's exhibition at the Galleria d'Arte Moderna Viotti in Turin, on February 22, 1969. The gallery plaque is enclosed. Born in Cupramontana near Ancona, Luigi Bartolini was the twentieth century Italian etcher, who came closest to the stature of his great rival, Morandi. As a teenager, he saw the collection of etchings, including work by Callot, owned by the Corradi family in Iesi. From 1907 to 1910 Bartolini studied at the Istituto di Belle Arti in Siena, and started to etch c. 1909. He moved to Rome in 1910, where until 1912 he frequented the Accademia di Belle Arti, while also attending lectures on literature and the history of art, and courses on anatomy at the University in Rome. Bartolini studied the etchings of Goya and took lessons on drawing at the Accademia di Spagna. From there, he went to Florence in 1913, where he attended the Scuola del nudo. Bartolini continued his anatomical research, as well as studying architecture, making himself the most assiduous student of all Italian twentieth century printmakers. He also visited the Uffizi and Florentine print dealers to look at the etchings of Rembrandt and Fattori. Bartolini painted his first oils just before the outbreak of the First World War. Although he painted pictures throughout the rest of his career, and was awarded the Premio Marzotto for them in 1956, they have been far eclipsed in fame by his etchings and writings. During the First World War, Bartolini published his first collection of poetry. A very prolific and accomplished writer, in this field he is best known today as the author of the novel, 'Ladri di biciclette' (Bicycle thieves), of 1946, which was quickly turned into a celebrated film by Vittorio de Sica and Cesar Zavattini. After the First World War, Bartolini held a series of minor teaching posts in Macerata, Sassari, Avezzano, Pola, and Caltagirone, while he continued to etch, and started a long career as a polemical journalist and critic of art and architecture. From 1923 to 1929, he wrote for the Naples periodical, 'Cimento', but he also contributed to 'Il Selvaggio', 'Quadrivio', 'Italia letteraria', and 'L'Ambrosiana'. Bartolini's 1924 exhibition of etchings at the Casa d'Arte Bragaglia in Rome was a great success, and later that year he showed 70 etched landscapes of the Marches at the Casa Palazzo di Roma. The following year he visited Paris, where he paid particular attention to the paintings of Van Gogh. Bartolini's political convictions led him to being assaulted by Fascists and hospitalised in 1928. Two years later, he won a prize at the Venice Biennale, where he had exhibited a portfolio of etchings. In 1930, the Turin publisher, Buratti, began to issue a series of portfolios of etchings by contemporary Italian artists under the editorship of Cipriano Oppi, selecting Bartolini for the first album. The following year, Buratti published 'Le carte parlanti', a portfolio of 10 of Bartolini's etchings, which was published in an edition of 20. In 1932, Bartolini shared the first prize at the Prima mostra dell'incisione moderna at the Uffizi with Morandi and Boccioni. His close friend, the leading anti-Fascist art historian, Lionello Venturi, acted as his agent selling his etchings in Paris. Bartolini's correspondence with his compatriots in exile led to his imprisonment, from which he was released on Mussolini's personal intervention. He was then placed under political surveillance. From 1933 to 1938, Bartolin... Gli esemplari unici o rari, Casini editore, Roma 1952; C.A. Petrucci, Le incisioni di Luigi Bartolini, Calcografia Nazionale Roma (1951), n. 379 (e.u.); G. Ronci, Le incisioni di Luigi Bartolini, Calcografia Nazionale Roma (1962), n. 379 (e.u.); C. Barsan‎

‎Bartolini Luigi (Cupramontana 1892 – Roma 1963)‎

‎La fonte (Tre donne alla fontana)‎

‎Acquaforte e punta secca, 1924. Misure della lastra 85x130 mm. Prova d’autore, firmata a matita in basso “L. Bartolini”. Esemplare rifilato al rame ed applicato su cartoncino coevo. Perfetto stato di conservazione. All’incisione, databile al 1924-25 come altre opere analoghe dell’artista, Bartolini assegnerà poi il titolo definitivo di Tre donne alla fontana. Un’esemplare dell’opera definitiva è passato in asta a Berna nel novembre del 2007: https://www.mutualart.com/Artwork/Tre-donne-alla-fontana/591860B3A0845475 Luigi Bartolini è considerato uno dei maggiori incisori italiani del Novecento, insieme a Giorgio Morandi e Giuseppe Viviani. Oltre ad essere un prolifico incisore (al suo attivo oltre mille acqueforti), fu anche pittore e scrittore. Partecipò sia come pittore che come incisore a diverse edizioni della Biennale di Venezia dal 1928 al 1962. Presente a varie manifestazioni artistiche, sviluppò diverse maniere definite: ‘maniera bionda’, ‘lineare’ e ‘nera’. Ricordiamo soprattutto le acqueforti della serie Marche e della serie Sicilia.  Iniziò la sua produzione grafica nel 1914 e il suo stile si rifà alla tradizione naturalistica dell’Ottocento. Molte sue incisioni si possono ricollegare ad alcune opere del Goya, di Telemaco Signorini e di Giovanni Fattori. Eccellente nella rappresentazione della natura morta e del paesaggio, spesso il Bartolini rappresentò dolcemente le cose e gli oggetti più umili, i soggetti di natura più dimessi. In essi ritroviamo il sentimento che diviene immagine e la forma che si sviluppa in espressione. Con Bartolini l’incisione torna ad essere un mezzo di espressione poetica libera dal simbolismo e dal vedutismo allora in voga presso le accademie. Nelle sue acqueforti prevale ora un tratteggio leggero (genere biondo), ora una ricerca del chiaroscuro alla Rembrandt (genere nero). Rara. Etching and drypoint, 1924. Plate size 85x130 mm.   Artist's proof, signed in pencil at the bottom "L. Bartolini". Example trimmed to copper and applied on contempoary paperboard. Excellent state of preservation. Rare. Born in Cupramontana near Ancona, Luigi Bartolini was the twentieth century Italian etcher, who came closest to the stature of his great rival, Morandi. As a teenager, he saw the collection of etchings, including work by Callot, owned by the Corradi family in Iesi. From 1907 to 1910 Bartolini studied at the Istituto di Belle Arti in Siena, and started to etch c. 1909. He moved to Rome in 1910, where until 1912 he frequented the Accademia di Belle Arti, while also attending lectures on literature and the history of art, and courses on anatomy at the University in Rome. Bartolini studied the etchings of Goya and took lessons on drawing at the Accademia di Spagna. From there, he went to Florence in 1913, where he attended the Scuola del nudo. Bartolini continued his anatomical research, as well as studying architecture, making himself the most assiduous student of all Italian twentieth century printmakers. He also visited the Uffizi and Florentine print dealers to look at the etchings of Rembrandt and Fattori. Bartolini painted his first oils just before the outbreak of the First World War. Although he painted pictures throughout the rest of his career, and was awarded the Premio Marzotto for them in 1956, they have been far eclipsed in fame by his etchings and writings. During the First World War, Bartolini published his first collection of poetry. A very prolific and accomplished writer, in this field he is best known today as the author of the novel, 'Ladri di biciclette' (Bicycle thieves), of 1946, which was quickly turned into a celebrated film by Vittorio de Sica and Cesar Zavattini. After the First World War, Bartolini held a series of minor teaching posts in Macerata, Sassari, Avezzano, Pola, and Caltagirone, while he continued to etch, and started a long career as a polemical journalist and critic of art and architecture. From 1923 to 1929, he wrote for the Naples periodical, 'Cimento', but he also contributed to 'Il Selvaggio', 'Quadrivio', 'Italia letteraria', and 'L'Ambrosiana'. Bartolini's 1924 exhibition of etchings at the Casa d'Arte Bragaglia in Rome was a great success, and later that year he showed 70 etched landscapes of the Marches at the Casa Palazzo di Roma. The following year he visited Paris, where he paid particular attention to the paintings of Van Gogh. Bartolini's political convictions led him to being assaulted by Fascists and hospitalised in 1928. Two years later, he won a prize at the Venice Biennale, where he had exhibited a portfolio of etchings. In 1930, the Turin publisher, Buratti, began to issue a series of portfolios of etchings by contemporary Italian artists under the editorship of Cipriano Oppi, selecting Bartolini for the first album. The following year, Buratti published 'Le carte parlanti', a portfolio of 10 of Bartolini's etchings, which was published in an edition of 20. In 1932, Bartolini shared the first prize at the Prima mostra dell'incisione moderna at the Uffizi with Morandi and Boccioni. His close friend, the leading anti-Fascist art historian, Lionello Venturi, acted as his agent selling his etchings in Paris. Bartolini's correspondence with his compatriots in exile led to his imprisonment, from which he was released on Mussolini's personal intervention. He was then placed under political surveillance. From 1933 to 1938, Bartolini taught in Merano, where he painted and etched in the open air, finding subjects on the banks of the fast flowing Adige. Despite being under political suspicion, he was given a one - man show of 50 etchings at the second Rome Quadriennale in 1935, when he was awarded the first prize for printmaking. Bartolini still encountered political difficulties, and his 'Modi', published by Edizioni del Cavallino in 1938, was censured by Al...‎

‎Bartolini Luigi (Cupramontana 1892 – Roma 1963)‎

‎Vaso con fiori dedicato a Vincenzo Cardarelli‎

‎Acquaforte, 1930 circa. Lastra mm 125x165, figlio mm 355x505. Firma a matita in basso a destra “L. Bartolini”. Dedica incisa in lastra, in basso “V. Cardarelli”. Dalla biografia di Luigi Bartolini si evince che nel gennaio 1928 ha inizio la corrispondenza epistolare con Vincenzo Cardarelli, che durerà fino al febbraio 1930. Pertanto, la datazione della lastra viene ricondotta a tale periodo. Luigi Bartolini è considerato uno dei maggiori incisori italiani del Novecento, insieme a Giorgio Morandi e Giuseppe Viviani. Oltre ad essere un prolifico incisore (al suo attivo oltre mille acqueforti), fu anche pittore e scrittore. Partecipò sia come pittore che come incisore a diverse edizioni della Biennale di Venezia dal 1928 al 1962. Presente a varie manifestazioni artistiche, sviluppò diverse maniere definite: ‘maniera bionda’, ‘lineare’ e ‘nera’. Ricordiamo soprattutto le acqueforti della serie Marche e della serie Sicilia.  Iniziò la sua produzione grafica nel 1914 e il suo stile si rifà alla tradizione naturalistica dell’Ottocento. Molte sue incisioni si possono ricollegare ad alcune opere del Goya, di Telemaco Signorini e di Giovanni Fattori. Eccellente nella rappresentazione della natura morta e del paesaggio, spesso il Bartolini rappresentò dolcemente le cose e gli oggetti più umili, i soggetti di natura più dimessi. In essi ritroviamo il sentimento che diviene immagine e la forma che si sviluppa in espressione. Con Bartolini l’incisione torna ad essere un mezzo di espressione poetica libera dal simbolismo e dal vedutismo allora in voga presso le accademie. Nelle sue acqueforti prevale ora un tratteggio leggero (genere biondo), ora una ricerca del chiaroscuro alla Rembrandt (genere nero). Opera rarissima, non descritta dai repertori. Etching, circa 1930. Plate mm 125x165, son mm 355x505. Pencil signature at lower right "L. Bartolini". Dedication engraved on plate, at bottom "V. Cardarelli". From Luigi Bartolini's biography it is clear that in January 1928 he began his correspondence with Vincenzo Cardarelli, which lasted until February 1930. Therefore, the dating of the plate can be traced back to that period. Born in Cupramontana near Ancona, Luigi Bartolini was the twentieth century Italian etcher, who came closest to the stature of his great rival, Morandi. As a teenager, he saw the collection of etchings, including work by Callot, owned by the Corradi family in Iesi. From 1907 to 1910 Bartolini studied at the Istituto di Belle Arti in Siena, and started to etch c. 1909. He moved to Rome in 1910, where until 1912 he frequented the Accademia di Belle Arti, while also attending lectures on literature and the history of art, and courses on anatomy at the University in Rome. Bartolini studied the etchings of Goya and took lessons on drawing at the Accademia di Spagna. From there, he went to Florence in 1913, where he attended the Scuola del nudo. Bartolini continued his anatomical research, as well as studying architecture, making himself the most assiduous student of all Italian twentieth century printmakers. He also visited the Uffizi and Florentine print dealers to look at the etchings of Rembrandt and Fattori. Bartolini painted his first oils just before the outbreak of the First World War. Although he painted pictures throughout the rest of his career, and was awarded the Premio Marzotto for them in 1956, they have been far eclipsed in fame by his etchings and writings. During the First World War, Bartolini published his first collection of poetry. A very prolific and accomplished writer, in this field he is best known today as the author of the novel, 'Ladri di biciclette' (Bicycle thieves), of 1946, which was quickly turned into a celebrated film by Vittorio de Sica and Cesar Zavattini. After the First World War, Bartolini held a series of minor teaching posts in Macerata, Sassari, Avezzano, Pola, and Caltagirone, while he continued to etch, and started a long career as a polemical journalist and critic of art and architecture. From 1923 to 1929, he wrote for the Naples periodical, 'Cimento', but he also contributed to 'Il Selvaggio', 'Quadrivio', 'Italia letteraria', and 'L'Ambrosiana'. Bartolini's 1924 exhibition of etchings at the Casa d'Arte Bragaglia in Rome was a great success, and later that year he showed 70 etched landscapes of the Marches at the Casa Palazzo di Roma. The following year he visited Paris, where he paid particular attention to the paintings of Van Gogh. Bartolini's political convictions led him to being assaulted by Fascists and hospitalised in 1928. Two years later, he won a prize at the Venice Biennale, where he had exhibited a portfolio of etchings. In 1930, the Turin publisher, Buratti, began to issue a series of portfolios of etchings by contemporary Italian artists under the editorship of Cipriano Oppi, selecting Bartolini for the first album. The following year, Buratti published 'Le carte parlanti', a portfolio of 10 of Bartolini's etchings, which was published in an edition of 20. In 1932, Bartolini shared the first prize at the Prima mostra dell'incisione moderna at the Uffizi with Morandi and Boccioni. His close friend, the leading anti-Fascist art historian, Lionello Venturi, acted as his agent selling his etchings in Paris. Bartolini's correspondence with his compatriots in exile led to his imprisonment, from which he was released on Mussolini's personal intervention. He was then placed under political surveillance. From 1933 to 1938, Bartolini taught in Merano, where he painted and etched in the open air, finding subjects on the banks of the fast flowing Adige. Despite being under political suspicion, he was given a one - man show of 50 etchings at the second Rome Quadriennale in 1935, when he was awarded ...‎

‎RODELLA Gustavo (Roma, 15 agosto 1891 – 1937)‎

‎Il solco‎

‎Acquaforte, 1930 circa, firmata in lastra in basso a destra. Titolo scritto a matita in basso a sinistra, firmata a matita in basso a destra Gustavo Rodella. Tiratura di 30 esemplari, prova 14/30. Magnifica prova, impressa su carta coeva del tipo giapponese, con margini, in perfetto stato di conservazione. Gustavo Rodella (Roma, 15 agosto 1891 – 1937) è stato un incisore e acquerellista italiano. Figlio di Ottavio, pittore specializzato in soggetti militari, e di Angela Canonica. Dopo il fallimento della società editrice, per cui lavorava il padre, tutta la famiglia si spostò a Milano, dove Gustavo si iscrisse e si diplomò all'Accademia di Brera. Gustavo Rodella si trasferì a Roma nel 1912 e aprì uno studio in via Margutta. Nel 1913 esordì a una mostra dell'Associazione Amatori e Cultori di belle arti e nel 1929 ottenne la cattedra di Tecniche dell'incisione all'Accademia di Belle Arti di Roma. Utilizzava varie tipologie incisorie: la xilografia, l'acquaforte, l'acquatinta, la vernice molle, la puntasecca e la litografia. Fu uno dei 25 fondatori del Gruppo Romano Incisori Artisti (Gria), costituito a palazzo Venezia, a Roma, per iniziativa di Federico Hermanin. Realizzò all'acquarello figurini e ammiccanti signorine; incise vedute romane ad acquaforte o ad acquatinta, come la Chiesa di San Carlo alle Quattro Fontane. Ha disegnato copertine per il "Giornalino della Domenica". Un'altra sua incisione, popolaresca, rappresenta i preparativi per una esecuzione del boia romano Mastro Titta, a Piazza del Popolo. Incisione di taglio verista è Le Gerle, del 1909; un'acquatinta di gusto simbolista è L'Albero di villa d'Este, del 1932. Prese parte a circa settanta esposizioni, tra cui la mostra Coloniale di Roma, le mostre del Bianco e Nero di Milano e di Firenze, l'Esposizione d'Arte Figurativa di Torino e mostre a New York, a Buenos Aires e a Los Angeles nel 1923, a Chicago nel 1931, a Bordeaux nel 1932, a Varsavia e a Vienna nel 1933, a Monaco di Baviera nel 1934. Etching, circa 1930, signed in plate at lower right. Title written in pencil at lower left, signed in pencil at lower right Gustavo Rodella. Limited edition of 30 copies, proof 14/30. Magnificent proof, printed on contemporary Japanese paper, with margins, in perfect condition.‎

‎SIGNORINI Telemaco (Firenze 1835 – 1901)‎

‎Vicolo di paese‎

‎Acquaforte, 1875 circa, priva di firma. Stampata su carta cina applicata su supporto coevo. Opera non descritta dai repertori consultati. Telemaco Signorini nasce a Firenze il 18 Agosto del 1835 e, nonostante prediliga gli studi letterari, suo padre, un modesto pittore della corte del Granduca, lo avvia allo studio della pittura e fu lui il suo insegnante. Dopo aver frequentato i corsi di disegno dal nudo all'Accademia di Belle Arti fiorentina, e dopo aver dipinto dal vero con Odorado Borrani e Vincenzo Cabianca, inizia a frequentare il Caffè Michelangelo, accostandosi ai pittori che in quegli anni stavano teorizzando la pittura di macchia, ossia i Macchiaioli. Durante un viaggio a Parigi conosce personalmente l'anziano Camille Corot, interessandosi alla sua pittura di paesaggi e Constant Troyon; tornato a Firenze, con l'amico Diego Martelli, consolida l'amicizia con Silvestro Lega e Odoardo Borrani, insieme ai quali dipinge nei dintorni di Pergentina, divenendo il maggior rappresentante dei Macchiaioli. Bellissima prova, in ottimo stato di conservazione. Dimensioni 114x172 mm, il foglio 239x325 mm.  Al verso timbro della collezione di Raffaele Alianello (Lugt 5K). Etching, circa 1875, unsigned. Printed on Chinese paper applied to carboard. Work not described by the repertories consulted. Telemaco Signorini was born in Florence on August 18, 1835 and, although he preferred literary studies, his father, a modest painter of the court of the Grand Duke, initiated him to the study of painting and he was his teacher. After having frequented the courses of drawing from the nude to the academy of Belle Arti fiorentina, and after having painted from the true one with Odorado Borrani and Vincenzo Cabianca, it begins to frequent the Cafe Michelangelo, approaching the painters that in those years were theorizing the painting of stain, that is the Macchiaioli. During a trip to Paris he knows personally the old Camille Corot, being interested in his painting of landscapes and Constant Troyon; returned to Florence, with the friend Diego Martelli, consolidates the friendship with Silvestro Lega and Odoardo Borrani, together with which it paints in the surroundings of Pergentina, becoming the greater representative of the Macchiaioli. Beautiful example, in excellent condition. Size: platemark, 114x172 mm; sheet 239x325 mm.  On the verso collection mark of Raffaele Alianello (Lugt 5K).‎

‎ZANCAN Beppi (Torino 1936-2016)‎

‎Cascina nella neve‎

‎Acquaforte, 1978, firmata e datata in lastra in basso al centro. Firma a matita Beppi Zancan in basso a destra. Esemplare stampato su carta cina, in perfetto stato di conservazione. Beppi Zancan nacque a Torino il 14 febbraio del 1936 da una famiglia di origine veneta di giuristi, medici e docenti universitari. Durante la guerra, riparó con la famiglia nella villa di Viverone, dove trascorse alcuni degli anni piú belli della fanciullezza insieme al fratello Giampaolo, divenuto poi uno tra i più noti avvocati penalisti italiani. Rientrato a Torino, frequentó il liceo classico presso l’Istituto Sociale dei padri Gesuiti, dove si distinse come studente brillante e geniale. Si laureó in giurisprudenza con Norberto Bobbio, del quale fu assistente, elaborando una tesi di filosofia del diritto sul concetto di giustizia in Dostoevskij, che fu molto apprezzata e che ottenne numerosi riconoscimenti. L’amore per Dostoevskij, che Beppi leggeva anche in lingua originale, rimase una costante della sua intera esistenza. Assolto il servizio militare a Casale, tornó a Torino dove, abbandonó la carriera universitaria, per una sua incompatibilitá con le formalitá piú rigide e canoniche, da artista intenso ed eccentrico qual era. Trasferitosi a Milano, incontró Arrigo Polillo, direttore della rivista Musica Jazz e direttore del personale di Arnoldo Mondadori, che, apprezzatene le doti di musicista e riconosciutone l’estro creativo, lo volle con sé come pubblicitario e creativo. É di questo periodo, nel 1967, la sua prima mostra personale di incisioni, ordinata presso la galleria L’Arte Antica di Torino. Si trattava di incisioni di grandissimo talento tecnico, strettamente correlate al lavoro del Maestro ideale di Beppi Zancan, Rembradt. Nel 1971 espose di nuovo all’Arte Antica di Torino e al Gabinetto delle Stampe di Milano e nel 1974 al Casinò di Sanremo. Nel 1974, divenne giornalista professionista e, nel 1975, gli fu affidata la direzione de Il Mago, una delle più importanti riviste di fumetti italiane, sulle cui pagine trovavano spazio tavole di giovani autori italiani esordienti così come strisce straniere, prevalentemente umoristiche. In quello stesso anno conobbe Carlotta Frattini, che divenne sua moglie l’anno successivo. Ancora nel 1976, ordinò una nuova mostra di incisioni, nuovamente presso la galleria L’Arte Antica, mentre la prima esposizione torinese di opere pittoriche avvenne soltanto nel 1981, presso la galleria Quaglino di piazza San Carlo; qui espose le sue tele, in cui l’impronta dei grandi impressionisti, tra i quali soprattutto Van Gogh e Cezanne emergeva forte ed evidente. La pennellata di Beppi Zancan rimane tuttavia personale e autonoma, pur riflettendo ardentemente l’ammirazione per quei grandi. Etching, 1978, signed and dated in plate at lower center. Signature in pencil Beppi Zancan at lower right. Example printed on china paper, in perfect condition. Beppi Zancan was born in Turin on February 14, 1936 into a family of Venetian origin of jurists, doctors and university professors. During the war, he took refuge with his family in the villa in Viverone, where he spent some of the best years of his childhood together with his brother Giampaolo, who later became one of the most famous Italian criminal lawyers. Back in Turin, he attended the classical high school at the Social Institute of the Jesuit Fathers, where he distinguished himself as a brilliant and brilliant student. He graduated in law with Norberto Bobbio, of whom he was an assistant, elaborating a thesis on the philosophy of law on the concept of justice in Dostoevsky, which was much appreciated and received numerous awards. The love for Dostoevsky, which Beppi also read in the original language, remained a constant throughout his life. After completing his military service in Casale, he returned to Turin where he abandoned his university career, due to his incompatibility with the most rigid and canonical formalities, as an intense and eccentric artist that he was. After moving to Milan, he met Arrigo Polillo, director of the magazine Musica Jazz and personnel director of Arnoldo Mondadori, who, appreciating his talents as a musician and recognizing his creative flair, wanted him with him as a publicist and creative. It is of this period, in 1967, his first personal exhibition of engravings, ordered at the gallery L'Arte Antica in Turin. These were engravings of great technical talent, closely related to the work of Beppi Zancan's ideal master, Rembrandt. In 1971 he exhibited again at the Arte Antica of Turin and at the Gabinetto delle Stampe of Milan and in 1974 at the Casino of Sanremo. In 1974, he became a professional journalist and, in 1975, he was entrusted with the direction of Il Mago, one of the most important Italian comics magazines, on the pages of which there were tables of young Italian authors as well as foreign strips, mainly humorous. In that same year he met Carlotta Frattini, who became his wife the following year. Still in 1976, he ordered a new exhibition of engravings, once again at the gallery L'Arte Antica, while the first Turinese exhibition of paintings took place only in 1981, at the Quaglino gallery in Piazza San Carlo; here he exhibited his canvases, in which the imprint of the great impressionists, among whom above all Van Gogh and Cezanne emerged strong and evident. Beppi Zancan's brushstroke, however, remains personal and autonomous, even though it ardently reflects his admiration for those great artists.‎

‎SIGNORINI Telemaco (Firenze 1835 – 1901)‎

‎Novelluccia inconcludente‎

‎Acquaforte, 1875, priva di firma. L’opera è una delle 3 acqueforti di Signorini preparate per le Fornicazioni di Fra Mazzapicchio edite per cura di Diego Martelli fiorentino ed illustrate da Telemaco Signorini. Si tratta di un delizioso libro d’artista, impresso in soli 100 esemplari. Raccolta di prose erotiche attribuite al francescano padre Didaco di San Friano (Borgo San Frediano, a Firenze), ornate da tre splendide acqueforti del macchiaiolo e impressionista Telemaco Signorini. Assieme ai «Primi passi» (1871) e alle «Storielline» (1876), sempre a petto delle prose di Martelli, questo libro compone un trittico che è ritenuto tra le migliori prove del Signorini incisore. “[…] forse il meglio della sua opera grafica […] il Signorini lo diede nelle illustrazioni delle tre raccolte di novelle veristiche di Diego Martelli […] Costretto a dir tutto in breve spazio, qui il Signorini vi riuscì senza disperdere le sue forze; e il segno aderì più strettamente al soggetto propostogli dall’amico Diego, che d’altra parte lo riportava in un clima ben confacente alle sue tendenze e ai suoi umori. Di questo gruppo, l’acquaforte che illustra la prima novella delle ‘Fornicazioni di Fra Mazzapicchio’, quella che dà il titolo al libro, vale per l’efficacia della rappresentazione e per un tocco magro e conclusivo, che superano l’evidente ispirazione letteraria” (cfr. L. Vitali, L’incisione italiana dell’Ottocento, in “Domus” del 29 maggio 1930, pp. 31ss.) Telemaco Signorini nasce a Firenze il 18 Agosto del 1835 e, nonostante prediliga gli studi letterari, suo padre, un modesto pittore della corte del Granduca, lo avvia allo studio della pittura e fu lui il suo insegnante. Dopo aver frequentato i corsi di disegno dal nudo all'Accademia di Belle Arti fiorentina, e dopo aver dipinto dal vero con Odorado Borrani e Vincenzo Cabianca, inizia a frequentare il Caffè Michelangelo, accostandosi ai pittori che in quegli anni stavano teorizzando la pittura di macchia, ossia i Macchiaioli. Durante un viaggio a Parigi conosce personalmente l'anziano Camille Corot, interessandosi alla sua pittura di paesaggi e Constant Troyon; tornato a Firenze, con l'amico Diego Martelli, consolida l'amicizia con Silvestro Lega e Odoardo Borrani, insieme ai quali dipinge nei dintorni di Pergentina, divenendo il maggior rappresentante dei Macchiaioli. Bellissima prova, impressa su carta coeva, rifilata ed applicata sulla pagina del volume, con testo descrittivo al verso. Dimensioni 60x82 mm, il foglio 113x125 mm. In ottimo stato di conservazione Etching, 1875, unsigned. The work is one of 3 etchings by Signorini prepared for the Fornicazioni di Fra Mazzapicchio published by Diego Martelli of Florence and illustrated by Telemaco Signorini.  This is a delightful artist's book, printed in only 100 copies. It is a collection of erotic prose attributed to the Franciscan priest Didaco di San Friano (Borgo San Frediano, in Florence), adorned with three splendid etchings by the Macchiaioli and Impressionist Telemaco Signorini. Together with "Primi passi" (1871) and "Storielline" (1876), this book makes up a triptych that is considered among Signorini's best etchings. "[...] Forse il meglio della sua opera grafica [...] il Signorini lo dà lo di illustrazioni delle tre raccolte di novelle veristiche di Diego Martelli [...] Costretto a dir tutto in breve spazio, qui il Signorini vi riuscì senza disperdere le sue forze; e il segno aderì più strettamente al soggetto propostogli dall’amico Diego, che d’altra parte lo riportava in un clima ben confacente alle sue tendenze e ai suoi umori. Di questo gruppo, l’acquaforte che illustra la prima novella delle ‘Fornicazioni di Fra Mazzapicchio’, quella che dà il titolo al libro, vale per l’efficacia della rappresentazione e per un tocco magro e conclusivo, che superano l’evidente ispirazione letteraria” (cfr. L. Vitali, L’incisione italiana dell’Ottocento, in “Domus” del 29 maggio 1930, pp. 31ss.)‎

‎De Sanctis Giuseppe (Napoli 1858 - 1924)‎

‎Tentazione di S. Antonio‎

‎Acquaforte, 1882, firmata in lastra in basso a destra. Da un soggetto di Domenico Morelli. Magnifica prova, impressa su carta coeva, con ampi margini, in eccellente stato di conservazione. A destra S. Antonio Abate, a figura intera; a sinistra figura femminile distesa e semicoperta da panno chiaro. Sul fondo paesaggio ombroso. L'opera riprende la seconda versione del dipinto del Morelli, realizzato nel 1879, in cui il Santo è raffigurato in una differente posizione. Il De Sanctis rivela la sua adesione alla formula morelliana ("rappresentare figure e cose, non viste, ma immaginate e vere ad un tempo") nell'approfondimento, attraverso la tecnica incisoria, del contrasto luce-ombra, che evidenzia il tono drammaticamente teatrale della composizione (cfr. Comanducci A. M., Milano, 1962, Vol. II, p. 608). Giuseppe De Sanctis si formò artisticamente proprio sotto Domenico Morelli, titolare all'epoca della scuola di pittura dell'accademia di belle arti di Napoli, dove si trovò a studiare, attorno al 1872. Si esercitò a lungo nello studio dal vero, assimilando allo stesso tempo l'interesse per i soggetti di storia e le ricostruzioni di ambienti esotici, genere di pittura il cui mercato si era andato sviluppando a Napoli per la presenza di pittori come Mariano Fortuny e le operazioni commerciali del mercante d'arte parigino J.-A. Goupil, con il quale era in contatto lo stesso Morelli. Varie fonti documentano la sua produzione di incisioni all'acquaforte, attività che gli procurò, nel 1920, la cattedra di incisione all'accademia di belle arti di Napoli. Avviato a questa tecnica fin dai primi insegnamenti morelliani; La tentazione di S. Antonio fu l’opera con cui esordi alla Promotrice di Napoli del 1882. Etching, 1882, signed in plate at lower right. After a subject by Domenico Morelli. Magnificent proof, printed on coeval paper, with wide margins, in excellent condition. On right S. Antonio Abate, full-length; on left a female figure lying and half-covered by light-colored cloth. In the background a shady landscape. The work reflects the second version of Morelli's painting, made in 1879, in which the Saint is depicted in a different position. De Sanctis reveals his adherence to Morelli's formula ("representing figures and things, not actually seen, but imagined and real at the same time") in the deepening, through the engraving technique, of the light-shadow contrast, which highlights the dramatically theatrical tone of the composition (cf. Comanducci A. M., Milano, 1962, Vol. II, p. 608).‎

‎CANALETTO Giovanni Antonio Canal detto (Venezia 1697 – 1768)‎

‎Il Piccolo Monumento‎

‎Acquaforte, 1740  circa, monogrammato in lastra in basso al centro A.C. Esemplare nel secondo stato finale, dopo le aggiunte e con la sigla in basso al centro. Della serie Vedute altre prese da i Luoghi altri ideate. In basso a sinistra in primo piano, la continuazione della barca e del ponte parzialmente visti nell'acquaforte Il carro che passa sopra un ponte. Sulla riva lontana del fiume il monumento, incorniciato da un albero e dal fogliame. In lontananza, oltre una zona collinare, vista di una città con torri, campanile, cupole e una piramide. Originariamente questa stampa e Il carro che passa sopra un ponte formavano una lastra unica che venne tagliata forse per un difetto di morsura verificatosi nella zona dell’albero sovrastante il piccolo monumento. Per tale ragione la parte destra della lastra subì una riduzione di circa 25 mm in altezza. Non si conoscono impressioni prima del taglio del rame che venne operato dallo stesso artista, come dimostra l’apposizione – nel secondo stato – della sigla A.C. sul margine inferiore della lastrina con Il Piccolo Monumento. L’elemento decorativo posto alla sommità dell’edificio, forse un leone, è assai prossimo alla scultura, pure enigmatica, che compare sulla colonna ionica del dipinto Capriccio con tempio e colonna. L’opera appartiene alle Vedute altre prese da i luoghi altre ideate… serie delle acqueforti dedicate al console ed amico Joseph Smith, la cui esecuzione va dal 1740 al 1744 circa. Si inserisce nello sviluppo artistico del Canaletto non come parentesi marginale, ma come un momento essenziale di alcuni problemi stilistici, che troveranno la loro piena realizzazione nei primi capolavori eseguiti nel soggiorno inglese.   La serie raggruppa fogli che evocano un itinerario che partendo dalla laguna, cioè da Marghera, passando per Mestre, risale il corso del Brenta fino a Padova, non solo inscenata nel cosmorama del Prà della Valle ma in una veduta che segna il passaggio tra la realtà dei luoghi e la fantasia del capriccio. Se il Portico con la lanterna, indubbiamente una delle prove più alte dell’arte incisoria del Canaletto, è una veduta di piena fantasia, l’acquaforte con la cosiddetta Casa del 1741, ricongiunta con la Casa del colonnato, è l’evocazione di una città, che se pur manca di precisi riferimenti topografici, è intrisa di atmosfera veneziana.   Giovanni Antonio Canal detto Canaletto (Venezia 17 ottobre 1697 – Venezia 19 aprile 1768)) fu il più illustre protagonista del vedutismo veneziano del Settecento. Grazie a contatti con amatori e collezionisti inglesi in viaggio a Venezia o residenti nella città lagunare, Canaletto beneficia di grande notorietà in Inghilterra presso la più alta aristocrazia e perfino la famiglia reale. Attorno al 1730 suo agente esclusivo è un inglese, il console Joseph Smith: divenuto mercante di quadri, questi si adopera con abilità e tenacia per introdurre il suo protetto nel mercato britannico delle opere d’arte, il più florido al tempo. Titolare di una grande bottega e affiancato da innumerevoli assistenti, Canaletto è artista e abile imprenditore.   Nelle opere del Canaletto la città lagunare era raffigurata con grande oggettività: le sue composizioni erano sempre rigorosamente studiate attraverso numerosi disegni preparatori, tratti direttamente dal vero. La “veduta” fu uno dei generi più caratteristici della pittura del Settecento. Si differenzia dal paesaggio (altro genere molto diffuso nel XVIII secolo) per la rappresentazione oggettiva di luoghi e architetture, realizzata attraverso una prospettiva ben studiata. Venezia fu il centro di maggior produzione di “vedute”, con alcune personalità di grande spicco. Al verso, timbro di collezione di James Henry Lockhart (Pittsburgh 1912-Rotonda West 2002) -  Lugt 4387. Magnifica prova, impressa su carta vergata coeva, con margini, in ottimo stato di conservazione. Bibliografia Bromberg, n. 33 p. 169; Succi, I, p... Etching, 1740 circa, signed with monogram bottom centre: A. C. Second final state, with the signature added and other additions. From the series: Vedute alter prese da i Luoghi altri ideate - In the lower left foreground, the continuation of the boat and bridge partially seen on the etching The Waggon Passing over a Bridge. On the far bank of the river the monument, framed by a tree and foliage. In the distance beyond a hilly area, view of a town with towers, campanile, domes and a pyramid. Originally this print and The Waggon Passing over a Bridge formed a single plate that was cut perhaps because of a morsure defect occurred in the area of the tree above the small monument. For this reason, the right side of the plate was reduced in height by about 25 mm. There are no known impressions before the cutting of the copper, which was done by the artist himself, as shown by the affixing - in the second state - of the initials A.C. on the lower margin of the plate with The Little Monument. The work belongs to the Vedute altre prese da i luoghi altre ideate... series of etchings dedicated to the consul and friend Joseph Smith, whose execution goes from about 1740 to 1744. It is part of the artistic development of Canaletto not as a marginal parenthesis, but as an essential moment of some stylistic problems, which will find their full realization in the first masterpieces executed in his English stay.   The series groups together sheets that evoke an itinerary that starting from the lagoon, that is from Marghera, passing through Mestre, goes up the course of the Brenta to Padua, not only staged in the cosmorama of Prà della Valle but in a view that marks the passage between the reality of places and the fantasy of caprice. If the Portico with the lantern, undoubtedly one of the highest proofs of Canaletto's engraving art, is a view of full fantasy, the etching with the so-called House of 1741, rejoined with the House of the colonnade, is the evocation of a city, which even though it lacks precise topographical references, is imbued with Venetian atmosphere.   Giovanni Antonio Canal called Canaletto (Venice 17 October 1697 - Venice 19 April 1768)) was the most illustrious protagonist of the Venetian vedutismo of the eighteenth century. Thanks to his contacts with English amateurs and collectors travelling to Venice or living in the lagoon city, Canaletto enjoyed great notoriety in England among the highest aristocracy and even the royal family. Around 1730 his exclusive agent was an Englishman, the consul Joseph Smith: having become a picture dealer, he worked with skill and tenacity to introduce his protégé into the British market of works of art, the most flourishing at the time. Owner of a large workshop and flanked by countless assistants, Canaletto is an artist and a skilled entrepreneur.   In Canaletto's works the lagoon city was depicted with great objectivity: his compositions were always rigorously studied through numerous preparatory drawings, taken directly from life. The "veduta" was one of the most characteristic genres of eighteenth-century painting. It differs from landscape (another genre widespread in the eighteenth century) for the objective representation of places and architecture, achieved through a well-studied perspective. Venice was the center of greater production of "views", with some very important personalities. On verso, collection mark of James Henry Lockhart (Pittsburgh 1912-Rotonda West 2002)-  Lugt 4387. A fine impression, printed on contemporary laid paper, good condition.  Bibliografia Bromberg, n. 33 p. 169; Succi, I, p. 278, n. 7.‎

‎BUFFAGNOTTI Carlo Antonio (Bologna 1660 - ?)‎

‎Architettura‎

‎Acquaforte, 1700 circa. Da un disegno di Ferdinando Galli Bibiena. Magnifico esemplare, ricco di toni e ben contrastato, impresso su carta vergata coeva filigranata -  “cerchio sormontato da trifoglio - rifilato alla linea marginale, nel complesso in ottimo stato di conservazione.  Della serie: Varie opere di Prospettiua inventate da Ferdinando Galli d:o il Bibiena Bolognese Pittore, et Architetto dell A: SS.ma del Sig:re Duca di Parma Raccolte da Pietro Abbati, et intagliate da Carlo Antonio Buffagnotti. ‘Le diede in Luce, e Stampò Giacomo Camillo Mercati in Bologna’ 1701. Le Varie opere di Prospettiua sono una raccolta di 72 tavole, per lo più di grande formato, che documentano la prima attività di Ferdinando Galli Bibiena come disegnatore di scenografie teatrali e architetture effimere. Fu assemblata da Pietro Giovanni Abbati (fl. 1683-1745), allievo di Ferdinando Bibiena durante il suo mandato di "Pittore di Corte" dei Farnese Duchi di Parma, in collaborazione con Carlo Antonio Buffagnotti, un operoso stampatore bolognese.  Un oscuro stampatore, Giacomo Pelegrino Longhi, fu responsabile della ristampa, che incorpora undici stampe di scenografie disegnate da Bibiena ed eseguite da Abbati per spettacoli rappresentati a Torino nel 1699. Bibliografia M. Pigozzi, F. G.B.: varie opere di prospettiva. Traduzione e diffusione di modelli e tipologie in centri e periferie, in “Il barocco romano e l'Europa”, Atti del Corso internazionale di alta cultura (1987), a cura di M. Fagiolo - M.L. Madonna, Roma 1992, pp. 637-642. Etching, 1700 circa, unlettered. After a drawing by Ferdinando Galli Bibiena. Magnificent example, rich in shades and well contrasted, printed on contemporary watermarked laid paper (circle surmounted by trefoil), trimmed at the marginal line, overall in excellent condition.  From the series:  Varie opere di Prospettiua inventate da Ferdinando Galli d:o il Bibiena Bolognese Pittore, et Architetto dell A: SS.ma del Sig:re Duca di Parma Raccolte da Pietro Abbati, et intagliate da Carlo Antonio Buffagnotti. ‘Le diede in Luce, e Stampò Giacomo Camillo Mercati in Bologna’ 1701. The Varie opere di Prospettiua is a collection of 72 mostly large-format plates documenting Ferdinando Galli Bibiena’s early activity as a designer of theatrical scenery and ephemeral architecture. It was assembled by Pietro Giovanni Abbati (fl. 1683-1745), a pupil of Ferdinando Bibiena during his tenure as “Pittore di Corte” to the Farnese Dukes of Parma, in collaboration with Carlo Antonio Buffagnotti, an industrious printmaker from Bologna. An obscure printseller, Giacomo Pelegrino Longhi, was responsible for the reissue, which incorporates eleven prints of scenery designed by Bibiena and executed by Abbati for spectacles performed in Turin in 1699. Bibliografia M. Pigozzi, F. G.B.: varie opere di prospettiva. Traduzione e diffusione di modelli e tipologie in centri e periferie, in “Il barocco romano e l'Europa”, Atti del Corso internazionale di alta cultura (1987), a cura di M. Fagiolo - M.L. Madonna, Roma 1992, pp. 637-642.‎

‎Dorigny Michel (Saint-Quentin 1616 – Parigi 1665)‎

‎Baccante seduta con putti‎

‎Acquaforte e bulino, 1650 circa, numerata 11 nell’angolo superiore sinistro. Questa tavola appartiene alla suite di Baccanalia descritte da Robert- Dusmenil (IV, 12-17) il cui frontespizio, inciso da Nicolas Cochin il Vecchio recita “Recueil de diverses Baccanales de Poussin, Chapperon, D’origny et autres”. Tutte le stampe della serie contengono gli indirizzi dei rispettivi editori ma non i nomi dei disegnatori e degli incisori, il che rende difficile attribuire definitivamente le opere ad artisti specifici. Le stampe furono probabilmente pubblicate per la prima volta dagli editori François Langlois, noto come 'il Ciartres' (1589 Chartres - 1647 Parigi), e Philippe Huart (attivo intorno al 1639-1648) e furono seguite da una seconda edizione pubblicata da Pierre Mariette. I disegni per le incisioni potrebbero provenire da Nicolas Chaperon o dallo stesso Dorigny. Sei tavole della suite, benchè prive della firma dell’autore, per ragioni stilistiche, sono riconducibili a Dorigny, autore di un’altra suite di Baccanalia, composta anch’essa da sei lastre, tutte recanti la sua firma (Robert-Dusmenil, IV, 6-11). Incentrate sulle attività di Bacco, Sileno e la loro allegra compagnia, queste due serie di affascinanti composizioni all'acquaforte dimostrano la ricchezza e la destrezza dei poteri di invenzione di Dorigny. In contrasto con la maggior parte delle sue prime interpretazioni delle opere di Vouet e altri, dove spesso usava il bulino per aumentare leggermente la sua vigorosa acquaforte (vedi cat. 102), alcune delle stampe successive di Dorigny, in particolare queste due suite di baccanali, si affidano ancora di più al bulino. Questa tendenza è parallela a un graduale cambiamento nel suo disegno, che rivela una crescente tendenza verso contorni pronunciati e figure più scultoree. Dopo essersi formato per cinque anni sotto Georges Lallemand a Parigi, Michel Dorigny si unisce presto alla cerchia del pittore Simon Vouet, con il quale stringe un'amicizia stretta e duratura. Dorigny divenne in seguito uno dei principali interpreti in campo tipografico dell'opera pittorica di Vouet e fu anche coinvolto come pittore in diversi progetti artistici del maestro. Le sue stampe comprendono opere su temi religiosi e mitologici così come stampe singole e serie su temi dionisiaci. Le suite probabilmente risalgono agli anni ’50 del XVII secolo quando, dopo la morte di Vouet. Bellissima prova, ricca di toni, impressa su carta vergata coeva, con margini, in ottimo stato di conservazione. Bibliografia Robert-Dusmenil, IV, p. 254, 14: Reed, French Prints from the Age of the Musketeers, p. 233. Etching and engraving, 1650 circa, numbered 11 at lower left. After training for five years under Georges Lallemand in Paris, Michel Dorigny soon joined the circle around the painter, Simon Vouet, with whom he struck up a close and lasting friendship. Dorigny subsequently became one of the main printmaking interpreters of Vouet’s painted oeuvre and was also involved as a painter in several of the master’s artistic projects. His prints include works on religious and mythological themes as well as individual prints and series on Dionysian topics. It is to this latter category that six etchings belong which Dorigny produced together with Nicolas Chaperon and other artists for the series entitled Recueil de diverses Bacchanales (Robert-Dumesnil, vol. IV, p. 254, nos. 12–17). All the prints in the series contain the addresses of the respective publishers but not the names of the designers and engravers, which makes it difficult to definitively ascribe the works to specific artists. The prints were probably first issued by the publishers François Langlois, known as ‘il Ciartres’ (1589 Chartres – 1647 Paris), and Philippe Huart (active around 1639–1648) and were followed by a second edition published by Pierre Mariette. The designs for the etchings may well stem from Nicolas Chaperon or from Dorigny himself. Another suite of six bacchanals (Robert – Dusmenil 6-11) bears on each plate the name of D’Origny as engraver. Both suites probably date to the 1650 when, after Vouet’s death, Dorigny became one of the most important decorative painters in Paris. Focused on the activities of Bacchus, Silenus, and their merry band of associates, these two etched sets of charming compositions demonstrate the wealth and dexterity of Dorigny's powers of invention. In contrast to most of his earlier interpretations of the works of Vouet and others, where he often used engraving to lightly augment his vigorous etching (see cat. 102), some of Dorigny's later prints, espe- cially these two suites of bacchanals, rely even more on engraving. This trend parallels a gradual shift in his draftsmanship, which reveals an increasing tendency towards pronounced contours and more sculptural figures. A fine impression, printed with tone on contemporary laid paper, with margins, very good condition. Bibliografia Robert-Dusmenil, IV, p. 254, 14: Reed, French Prints from the Age of the Musketeers, p. 233.‎

‎BRUEGHEL "Il Vecchio" Pieter (Brueghel 1525 ca. - Brussel 1569)‎

‎La Parabola del cieco che guida un altro cieco‎

‎Bulino, 1610/20 circa, in basso al centro l'excudit di Claes Janz. Visscher (CJV intrecciate). Sotto l'immagine una spiegazione in francese e in olandese e un riferimento al testo biblico di Matteo (15:14). Numerato 3, in basso a destra. Da un soggetto di Pieter Brueghel il Vecchio. L'opera traduce in immagini la parabola evangelica del cieco che guida un altro cieco, riportata da Matteo 15:14, in cui Cristo si rivolge ai Farisei: «Sono ciechi e guide di ciechi. E quando un cieco guida un altro cieco, tutti e due cadranno in un fosso!». Il cui significato è: quando l'incompetente consiglia altri incompetenti, le cose vanno male. L'acquaforte pubblicata da Claes Jansz. II Visscher è apparentemente ispirata a De parabel der blinden [La parabola del cieco], dipinta da Pieter Bruegel il Vecchio nel 1568. Questa ipotesi è stata avanzata dal Rijksmuseum, che conserva due impressioni di questa incisione. È incisa al contrario rispetto al quadro, e utilizza la stessa composizione: uomini ciechi, vestiti come vagabondi, seguono una linea diagonale attraverso il quadro, che porta a un fiume in cui cadranno presto; hanno mancato per poco un piccolo ponte di assi a monte, vicino a un albero. Come nel quadro, c'è un villaggio sullo sfondo. Tuttavia, ci sono solo tre ciechi invece dei sei del quadro di Bruegel, e quello di fronte, con la stessa ghironda del quadro sulla spalla, non è ancora caduto in acqua. Non descritto da Leeber, Bastealer e Hollstein. Il Rijksmuseum, che suggerisce una data del 1643 nella descrizione di una delle loro due impressioni, certifica che quest'opera è inserira dalla serie Theatrum Biblicum Hoc Est Historiae Sacrae Veteris et Novi Testamenti Tabulis Aeneis Expressae. Crediamo che una datazione più pertinente per l'opera sia tra il 1610 e il 1620 e che solo successivamente venga a far parte della Bibbia pubblicata da Claesz J. Visscher. L'incisore rimane anonimo, ma è possibile che si tratti dello stesso autore. Figlio di Jan Claesz Visscher, un incisore e editore di Amsterdam, padre di Nicolaes e nonno di Nicolaes II, fu attivo nella sua città natale dal 1601 fino al 1652. Nel 1605 lavorò come incisore per l'editore di Amsterdam Willem Jansz. Blaeu, realizzando tra l'altro alcune vedute dei più importanti monumenti di Amsterdam, e per Theodoor Galle. Molto presto però, Visscher iniziò a pubblicare stampe di propria fattura, caratterizzate dal logo del “pescatore”, riferimento al suo nome latino di Piscator. Immagazzinò, inoltre, stampe, acquisendo su larga scala lastre di rame da altri editori e stampatori, non solo prodotte da artisti viventi, ma anche vecchie tavole da Maarten van Heemskerck e altri noti pittori, prodotte da Hieronymus Cock e dai suoi successori. Contribuì, in questo modo, a costituire una delle più importanti case editrici dell'epoca. Rappresentò soggetti religiosi, paesaggi, in particolare invernali, e architetture, e realizzò stampe di devozione. Nonostante la più importante pubblicazione dell'epoca, la “Bibbia”, nella versione autorizzata nei Paesi Bassi, fosse senza illustrazioni, Visscher, come pure altri editori dell'epoca, realizzarono stampe, che, inizialmente separate dal testo religioso, vi furono in seguito incorporate. Bellissima impressione, su carta vergata coeva, con ampi margini, in perfetto stato di conservazione.   Engraving, signed at the lower center with the excudit of Claes Janz. Visscher (CJV entwined). Beneath the image an explanation in French and in Dutch and a reference to the Bible text in Matthew 15:14. Numbered 3. After Pieter Brueghel the Elder. The blind leader is about to step into a ditch, taking his equally blind followers with him. The guide has a hurdy-gurdy under his cloak. A village can be seen in the background. The scene is a depiction of the proverb and parable: “if the blind lead the blind, both shall fall into a ditch”. The meaning of which is: when the incompetent advises other incompetents, things go wrong. The etching published by Claes Jansz. II Visscher is seemingly inspired by De parabel der blinden [The parable of the blind], painted by Pieter Bruegel the Elder in 1568. This hypothesis has been put forward by the Rijksmuseum, which keeps two impressions of this etching. It is etched in reverse compared to the painting, and uses the same composition: blind men, dressed like vagrants, follow a diagonal line across the picture, leading to a river in which they will soon fall; they narrowly missed a small plank bridge upstream, next to a tree. As in the painting, there is a village in the background. However, there are only three blind men instead of six in Bruegel's picture, and the one at the front, wearing the same hurdy gurdy as in the painting over his shoulder, hasn't fallen into the water yet. Not described by Leeber, Bastealer and Hollstein. The Rijksmuseum suggests a date of 1643 in the notice to one of their two impressions, this work is taken from the series Theatrum Biblicum Hoc Est Historiae Sacrae Veteris et Novi Testamenti Tabulis Aeneis Expressae. We believe that a more pertinent date for the work is between 1610 and 1620 and that it only later became part of the Bible published by Claes Jansz. Visscher. The engraver remains anonymous, but it is possible that it is the same author. Visscher, who was born and died in Amsterdam, was also known as Nicolas Joannes Piscator or Nicolas Joannis Visscher II, after his father who lived ca. 1550–1612. He learned the art of etching and printing from his father, and helped grow the family printing and mapmaking business to one of the largest in his time. It was a family business; his son Nicolaes Visscher I (1618–1679), and his grandson Nicolaes Visscher II (1649–1702) were also mapmakers in Amsterdam on the Kalverstraat. The times were with the Visschers for other reasons; due to the Protestant reformation, the older Bibles with their "Roman Catholic" illustrations were seen as outdated and apocryphal, but to liven up the new Protestant Bibles for the less well-read clergy, the Visschers produced illustrated maps and even landscapes of the places in the Bible. This became a very successful family business, with collaboration with many respected draughtsmen of the day. A new translation of the Bible was underway in the Netherlands, and until then, the new German translation done by Johannes Piscator, published in 1602–1604, was translated into Dutch. Though probably not a relative, his Bible translation was accepted by the Dutch Staten-General in 1602, which only lent more publicity and authenticity to the "Fisher" name. The trademark of the Visschers was a “fisherman”, after their name (thus the Latin nickname Piscator). A small fisherman would be strategically placed somewhere near water. If the subject was a landscape without a stream or pond, then often a figure walking with a fishing rod can be seen. Their map plates were reused for a century by other printers who unknowingly copied the entire plates, including the tell-tale fishermen. Observant scholars are thus able to trace the provenance of Bibles, maps, and landscapes from these signs. A fine impression, printed on contemporary laid paper, with margins, perfect condition.‎

‎Hastings Thomas (1778-1854)‎

‎View on the Tiber with Rome in the distance‎

‎Veduta panoramica di Roma presa da Ponte Milvio, tratta dal celebre dipinto di Richard Wilson, finemente incisa da Thomas Hasting nel 1824. Wilson (Montgomeryshire, 1º agosto 1714 – Denbighshire, 15 maggio 1782) è stato un pittore gallese e uno dei membri fondatori della Royal Academy nel 1768.  Thomas Hastings era un pittore dilettante, disegnatore, acquerellista e incisore di paesaggi, vedute topografiche, soggetti marini e scene della costa. Nato Thomas Barnett; cambiò il suo cognome in Hastings nel 1812, con il quale espose e pubblicò dopo questa data. Ufficiale dell'esercito britannico 1795-1811, capitano dal 1799. Ufficiale di dogana dal 1819. Esposto alla Royal Academy of Arts, Society of Painters in Watercolours, British Institution, Liverpool Academy e Hibernian Academy. Socio dell'Accademia di Liverpool. Uno dei fondatori della Società degli Arcieri di Carisbrooke nel 1829. Incisione in rame, in ottimo stato di conservazione. Bibliografia Marianne A Yule, Captain Thomas Hastings (1778–1854): His full identity revealed, in “The British Art Journal”, Vol. 16, No. 2 (Autumn 2015), pp. 56-69. A panoramic view of Rome taken from Ponte Milvio, on the Tiber. After a painting of Richard Wilson and engraved by Thomas Hastings. Richard Wilson RA (1 August 1714 – 15 May 1782) was an influential Welsh landscape painter, who worked in Britain and Italy. With George Lambert he is recognised as a pioneer in British art of landscape for its own sake.  Thomas Hastings was an amateur painter, draughtsman, watercolour artist and etcher of landscapes, topographical views, marine subjects and coast scenes. Born Thomas Barnett; changed his surname to Hastings in 1812, under which name he exhibited and published after this date. Officer in the British Army 1795-1811, Captain from 1799. Customs Officer from 1819. Exhibited at the Royal Academy of Arts, Society of Painters in Watercolours, British Institution, Liverpool Academy and Hibernian Academy. Associate of the Liverpool Academy. One of the founders of the Society of Carisbrooke Archers in 1829. A fine impression, printed on contemporary laid paper, good condition.  Bibliografia Marianne A Yule, Captain Thomas Hastings (1778–1854): His full identity revealed, in “The British Art Journal”, Vol. 16, No. 2 (Autumn 2015), pp. 56-69.‎

‎BRAQUEMOND Felix (Parigi 1833 – 1914)‎

‎Tramonto (Coucher de soleil)‎

‎Acquaforte e puntasecca, 1882, da un soggetto di Théodore Rousseau. Impressione con firma autografa di Bracquemond; in basso a destra, timbro a secco della Printseller Association. Magnifica prova, del sesto stato su sei descritto da Beraldi, impressa su carta Cina, in eccellente stato di conservazione. Il dipinto di Rousseau da cui proviene l'acquaforte è Coucher de soleil : ou, Un abreuvoir ( ca. 1850-55 ), che è apparso all'asta da Sotheby's . New York, 17 febbraio 1993, lotto n. 12, intitolato Coucher de soleil dans les landes prés de Begaar e che oggi si trova in una collezione privata. Il quadro di Rousseau fu il primo dipinto dell'importante maestro acquistato dalla neonata galleria Arnold & Tripp, che aveva aperto nel gennaio 1881: fu acquistato da Georges Petit, esperto di Vente Hartmanna, per 20.000 franchi il 16 maggio 1881, e venduto il giorno seguente per 26.000 franchi al collezionista portoghese Pedro Eugenio Daupias. Arnold & Tripp, dopo aver acquistato e subito venduto il quadro Coucher de soleil, decisero di chiedere a Bracquemond di realizzare una lastra da cui ricavare delle copie da vendere. Questo indica che la galleria aveva mantenuto i diritti di riproduzione del dipinto, o almeno aveva un accordo con il proprietario in tal senso. L'identificazione del quadro da cui proviene l'acquaforte è quindi particolarmente interessante perché Bracquemond non fu incaricato di produrre un'incisione per promuovere la vendita del quadro, che la galleria aveva già venduto a Daupias nel maggio 1881. Piuttosto, come era comune con le incisioni, si rivolgeva al suo particolare mercato di collezionisti, sicuramente interessati ad avere un'incisione da un dipinto che era diventato parte di una famosa collezione di Lisbona, e che non avrebbero più potuto ammirare a Parigi. La scoperta del contratto stipulato tra la galleria parigina Arnold & Tripp e il pittore e incisore Felix Bracquemond è un fatto recente. Il contratto fa parte di un gruppo di sette lettere, contenute nel carteggio Arnold & Tripp, che illustrano tutti gli aspetti dell'affare, dal contratto formale del luglio 1881, alle varie fasi delle prove, fino alla lastra finale da presentare al Salone parigino del 1882. Per un’approfondimento sul tema, si rimanda al saggio di Paolo Serafini, An Inside View of the Print Market in Paris (1881) A Contract between Félix Bracquemond and the Arnold & Tripp Gallery to Realize a Plate after Théodore Rousseau, in “Getty Research Journal”, n. 10 (2018), pp. 207-224). Già nel contratto Bracquemond fa riferimento a sei stati della lastra, poi descritti da Henri Beraldi (cfr. Les Graveurs du XIXe siècle s…, t. 3, pp. 109-110). Etching and drypoint, 1882, inscribed beneath the image lower left B lower Publie par Arnold et Tripp. & Rue St Georges a Paris. In the image, lower right TH. R After a painting by Théodore Rousseau. Example in the sixth finale state, with the signature and the publisher’s address lower centre. Etched by Félix Bracquemond (1833–1914). Impression signed by Bracquemond, in pencil. Printsellers' Association's blind stamp at lower left. The painting from which the etching comes is Coucher de soleil : ou, Un abreuvoir ( ca. 1850-55 ), which appeared at auction at Sotheby's . New York , 17 February 1993 , lot no . 12 , titled Coucher de soleil dans les landes prés de Begaar and which today is held in a private collection.  The Rousseau painting was the first painting by the important master purchased by the newborn gallery Arnold & Tripp gallery, which had opened in January 1881. The painting was bought from Georges Petit for 20,000 francs od 16 May 1881, and sold the following day for 26,000 francs to the Portuguese collector Pedro Eugenio Daupias. Arnold & Tripp, after having purchased and immediately sold the painting Coucher de soleil , decided to ask Bracquemond to produce a plate from which to derive copies to sell . This indicates that Arnold & Tripp had retained the reproduction rights for the painting , or at least had an agreement with the owner to that effect. The identification of the painting from which the etching comes is therefore particularly interesting because Bracquemond was not contracted to produce an engraving in order to promote the sale of the painting, which the gallery had already sold to Daupias in May 1881. Rather, as was common with artists' etchings, it was aimed at its own particular market of collector, surely interesting in having an engraving of a painting that had become part of a famous collection in Lisbon, and which they would no longer be able to admire in Paris. Recently, in the archives of the Getty Research Institute was discovered a contract between the Parisian gallery Arnold & Tripp and the painter and etcher Felix Bracquemond (1833-1914) in order to realize a plate after a painting by Théodore Rousseau. The contract is part of a group of seven letters, contained in the Arnold & Tripp correspondance, that illustrate all the aspects of the deal, from the formal contract in July 1881 , to the various phases of the proofs, toward the final plate to be presented at the Parisian Salon of 1882. (cfr. Paolo Serafini, An Inside View of the Print Market in Paris (1881) A Contract between Félix Bracquemond and the Arnold & Tripp Gallery to Realize a Plate after Théodore Rousseau, in Getty Research Journal, n. 10 (2018), pp. 207-224). H. Beraldi, tome 3, pp. 109 - 110; Paolo Serafini, An Inside View of the Print Market in Paris (1881) A Contract between Félix Bracquemond and the Arnold & Tripp Gallery to Realize a Plate after Théodore Rousseau, in “Getty Research Journal”, n. 10 (2018)‎

‎Bickham il Giovane George (circa 1706 - 1771)‎

‎The Return from the Chace‎

‎Tavola tratta dal celebre The Musical Entertainer, stampato a Londra da Charles Corbett, [1737-1739 o dopo]. Bickham è principalmente conosciuto per quest'opera incisa, pubblicata per la prima volta in parti quindicinali, ciascuna con quattro tavole, tra il gennaio 1737 e il dicembre 1739. Una seconda edizione fu anche pubblicata in parti tra il 1740 e il 1741, e una terza, stampata dalle tavole originali, fu pubblicata da John Ryall nel 1765. Le 200 tavole sono canzoni di Purcell, Handel, Haydn, Corelli, Pepusch e altri, ognuna con una vignetta incisa, e a parte il loro interesse musicale, forniscono una visione affascinante della vita sociale del tempo. Otto dei disegni sono di Gravelot, e secondo l'opinione di Ray molti altri sono stati imitati dall'opera di Watteau, il che lo porta a dire che il canzoniere "può quasi essere considerato francese". George Bickham il Giovane era incisore, editore, tipografo e uno dei primi caricaturisti inglesi. Ha prodotto pubblicazioni didattiche, caricature politiche e stampe pornografiche. Era il figlio dell'incisore George Bickham il Vecchio, che pubblicò la Universal Penman. Acquaforte, stampata su carta vergata coeva, con margini, in ottimo stato di conservazione. Bibliografia Stephen, Leslie, ed. (1886). "Bickham, George (d.1758)". Dictionary of National Biography. Vol. 5. London: Smith, Elder & Co; Cohen-de Ricci 145-146; Ray, French Illustrated Book, 12 Plate taken from The Musical Entertainer. London: Charles Corbett, [1737-1739 or later]. Bickham was principally known for this engraved work, first issued in fortnightly parts, each with four plates, between January 1737 and December 1739. A second edition was also brought out in parts 1740-41, and a third, printed from the original plates, was issued by John Ryall in 1765. The 200 plates are songs by Purcell, Handel, Haydn, Corelli, Pepusch and others, each headed with an engraved vignette, and quite apart from their musical interest they provide fascinating insight into the social life of the time. Eight of the designs are after Gravelot, and in Ray's opinion many others were imitated from Watteau's Oeuvre, leading him to say the song book "may almost be regarded as French." George Bickham the Younger (c. 1706–1771) was an English etcher and engraver, a printseller, and one of the first English caricaturists. He produced didactic publications, political caricatures, and pornographical prints. He was the son of the engraver George Bickham the Elder (1684–1758), who published the Universal Penman (1733–41). Etching, printed on contemporary laid paper, with margins, perfect condition. Bibliografia Stephen, Leslie, ed. (1886). "Bickham, George (d.1758)". Dictionary of National Biography. Vol. 5. London: Smith, Elder & Co; Cohen-de Ricci 145-146; Ray, French Illustrated Book, 12.‎

‎Bickham il Giovane George (circa 1706 - 1771)‎

‎The Meeting in the Morning‎

‎Tavola tratta dal celebre The Musical Entertainer, stampato a Londra da Charles Corbett, [1737-1739 o dopo]. Bickham è principalmente conosciuto per quest'opera incisa, pubblicata per la prima volta in parti quindicinali, ciascuna con quattro tavole, tra il gennaio 1737 e il dicembre 1739. Una seconda edizione fu anche pubblicata in parti tra il 1740 e il 1741, e una terza, stampata dalle tavole originali, fu pubblicata da John Ryall nel 1765. Le 200 tavole sono canzoni di Purcell, Handel, Haydn, Corelli, Pepusch e altri, ognuna con una vignetta incisa, e a parte il loro interesse musicale, forniscono una visione affascinante della vita sociale del tempo. Otto dei disegni sono di Gravelot, e secondo l'opinione di Ray molti altri sono stati imitati dall'opera di Watteau, il che lo porta a dire che il canzoniere "può quasi essere considerato francese". George Bickham il Giovane era incisore, editore, tipografo e uno dei primi caricaturisti inglesi. Ha prodotto pubblicazioni didattiche, caricature politiche e stampe pornografiche. Era il figlio dell'incisore George Bickham il Vecchio, che pubblicò la Universal Penman. Acquaforte, stampata su carta vergata coeva, con margini, in ottimo stato di conservazione. Bibliografia Stephen, Leslie, ed. (1886). "Bickham, George (d.1758)". Dictionary of National Biography. Vol. 5. London: Smith, Elder & Co; Cohen-de Ricci 145-146; Ray, French Illustrated Book, 12 Plate taken from The Musical Entertainer. London: Charles Corbett, [1737-1739 or later]. Bickham was principally known for this engraved work, first issued in fortnightly parts, each with four plates, between January 1737 and December 1739. A second edition was also brought out in parts 1740-41, and a third, printed from the original plates, was issued by John Ryall in 1765. The 200 plates are songs by Purcell, Handel, Haydn, Corelli, Pepusch and others, each headed with an engraved vignette, and quite apart from their musical interest they provide fascinating insight into the social life of the time. Eight of the designs are after Gravelot, and in Ray's opinion many others were imitated from Watteau's Oeuvre, leading him to say the song book "may almost be regarded as French."  George Bickham the Younger (c. 1706–1771) was an English etcher and engraver, a printseller, and one of the first English caricaturists. He produced didactic publications, political caricatures, and pornographical prints. He was the son of the engraver George Bickham the Elder (1684–1758), who published the Universal Penman (1733–41). Etching, printed on contemporary laid paper, with margins, perfect condition. Bibliografia Stephen, Leslie, ed. (1886). "Bickham, George (d.1758)". Dictionary of National Biography. Vol. 5. London: Smith, Elder & Co; Cohen-de Ricci 145-146; Ray, French Illustrated Book, 12.‎

‎STRUTT Arthur John (Chelmsford, 12 giugno 1818 – Roma, 1888)‎

‎Pine in the Colonna Gardens, Rome‎

‎Acquaforte, 1844 circa, firmata in lastra in basso. Figlio del pittore paesaggista Jacob George Strutt (1790-1864), del quale fu allievo, girovagò attraverso la Francia e la Svizzera in compagnia del padre, prima di giungere entrambi in Italia nel 1831, per stabilirsi a Roma. Rimase per il resto della sua vita in Italia, interessandosi soprattutto agli aspetti "pittoreschi", in particolare a quelli della Campagna romana, rivolgendo la sua attenzione, in modo specifico, ai paesaggi e ai costumi degli abitanti. Nel 1841 intraprese un viaggio a piedi verso il sud dell'Italia (allora Regno delle Due Sicilie, in compagnia dell'amico William Jackson, partendo da Porta San Giovanni (Roma) il 30 aprile e giungendo a Palermo il 15 dicembre, dopo aver attraversato la Campania e la Calabria. Le sue osservazioni furono raccolte in un libro, A pedestrian tour in Calabria & Sicily (Un viaggio a piedi in Calabria e in Sicilia) che ebbe un notevole successo, soprattutto nei paesi anglosassoni, ed è considerato ancor oggi un documento molto importante per comprendere la società del Regno delle Due Sicilie nel periodo pre-unitario. Magnifica prova, impressa su carta coeva, ampi margini, in perfetto stato di conservazione. Etching, 1844 circa, signed at the bottom.  Arthur John Strutt (1819, in Chelmsford – 1888, in Rome), was an English painter, engraver, writer, traveller and archaeologist. He was the son of the landscape painter Jacob George Strutt (1790–1864) and the writer and traveller Elizabeth Strutt. In 1841 he travelled on foot through central and southern Italy and in Sicily. He and his friend, the poet William Jackson, otherwise unknown, started from the Porta San Giovanni of Rome on 30 April 1841, reaching Palermo on 15 December, and arriving back at Rome in July of the following year. An account of this journey is given in his A Pedestrian Tour in Calabria & Sicily published in London, in 1842. A fine impression, on contemporary paper, large margins, very good condition.‎

‎FISHER Alfred Hugh (1867-1945)‎

‎San Giovanni, Siena‎

‎Acquaforte e puntasecca, 1910 circa, firmata in lastra in basso a sinistra Fisher f. Dedicata dall'artista a Malcolm Salaman; iscrizione a matita in basso: "To Malcolm Salaman from the artist, San Giovanni Siena. A. Hugh Fisher". Una bella impressione, stampata su carta coeva, con margini, in buone condizioni. Il dedicatario dell’opera, Malcolm Charles Salaman (Londra 6 settembre 1855 - 22 gennaio 1940) è stato un autore, giornalista e critico inglese. Fu educato alla University College School e all'Owens College di Manchester. Anche se aveva studiato ingegneria meccanica per quattro anni, divenne un giornalista e pubblicò due settimanali. I suoi scritti critici erano dedicati principalmente alle stampe e alle opere teatrali. Dal 1883 al 1894 fu critico drammatico e d'arte per il Sunday Times, e dal 1890 al 1899 fu nello staff di The Graphic. Scrisse regolarmente sulle stampe per le riviste d'arte The Studio e Apollo. Salaman scrisse anche le introduzioni ai 33 volumi della serie Modern Masters of Etching pubblicati tra il 1925 e il 1932 da The Studio, ognuno dei quali conteneva riproduzioni di 12 stampe di un grande incisore. Questa serie includeva volumi su Frank Brangwyn, Alphonse Legros, Ernest Stephen Lumsden, Malcolm Osborne e Edmund Blampied. Hugh Fisher si dedicò inizialmente all'incisione paesaggistica e architettonica, ma fu anche un abile incisore e incisore di ritratti, studi di figure e raffigurazioni di animali. Bibliografia H. Fisher, 'Catalogue of Etchings and Drypoint by A. Hugh Fisher', 1927. Etching and drypoint, circa 1910, signed at lower left Fisher f. Dedicated by the artis to Malcolm Salaman; inscribed at the bottom: To Malcolm Salaman from the artist, San Giovanni Siena. A. Hugh Fisher". A fine impression, printed on ivory wove paper, with margins, good condition. Malcolm Charles Salaman (London 6 September 1855 – 22 January 1940) was an English author, journalist and critic. He was educated at University College School and at Owens College, Manchester. Although he had studied mechanical engineering for four years, he became a journalist, and edited two weekly papers. His critical writing was devoted chiefly to prints and to plays. From 1883 to 1894 he was dramatic and art critic for the Sunday Times, and from 1890 to 1899 was on the staff of The Graphic. He wrote regularly on prints for the art magazines The Studio and Apollo. Salaman also wrote the introductions to the 33 volume series Modern Masters of Etching published between 1925 and 1932 by The Studio, each of which contained reproductions of 12 prints by a great etcher. This series included volumes on Frank Brangwyn, Alphonse Legros, Ernest Stephen Lumsden, Malcolm Osborne and Edmund Blampied. Hugh Fisher initially dedicated himself to landscape and architectural engraving, however he was also an accomplished etcher and engraver of portraits, figure studies and animal depictions. Bibliografia H. Fisher, 'Catalogue of Etchings and Drypoint by A. Hugh Fisher', 1927.‎

‎HADEN Francis Seymour (Londra 1818 - 1910)‎

‎Old Chelsea, Out of Whistler's Window (Battersea Reach)‎

‎Veduta della riva di un fiume a Chelsea; in primo piano a sinistra, persone con cani, due che portano lunghi bastoni; chiatte ormeggiate vicino alla riva; la casa di Whistler vista a sinistra. Iscrizione in lastra, in alto a sinistra: "Whistler's House at Old Chelsea Seymour Haden ft. an[no] 1863".  Acquaforte e puntasecca; secondo stato di due (Harrington); settimo stato di sette (Schneiderman). "All the foreground boats have vertical reflections. There is now a line at the base of the house most to the left, which extends almost to the margin of the plate. This plate 'wore out very soon and had to be destroyed before it had given its full quota of impressions. Published in Études à l'eau-forte (No. VIII.), under the title of 'Old Chelsea,' some copies having the First, others the Second State. Exhibited at the Royal Academy, 1865." [cf. Harrington, p. 28] "There are several preliminary drawings for this print […] similar in composition though the view point is from farther into the river. State VII. Published in Études à l'eau-forte (N. VIII). Line added at base of house on left and a few lines to indicate modeling at right on the wall. The smoke, rising from the chimney of the house, second from the right of Whistler's house, is no longer visible." [cf. Schneiderman, p. 143] Seymour Haden era l'improbabile combinazione di un chirurgo e un incisore. Sebbene abbia perseguito una carriera medica di grande successo, è ricordato soprattutto per i suoi lavori all'acquaforte e per i suoi scritti sull'acquaforte. Fece parte di un gruppo di artisti, tra cui James McNeill Whistler (1834-1903) e Alphonse Legros (1837-1911), il cui appassionato interesse per questo mezzo portò al cosiddetto revival dell'acquaforte, un periodo che durò fino al XX secolo. L'esaltazione dell'acquaforte per le sue intrinseche qualità spontanee raggiunse il suo apice durante questo periodo. Mentre la linea dell'ago da acquaforte, scrisse Haden, era "libera, espressiva, piena di vivacità", quella del bulino era "fredda, costretta, poco interessante" e "senza identità". Stampata su carta vergata coeva, con margini, condizioni perfette. Bibliografia Henry Nazeby Harrington The Engraved Work of Sir Francis Seymour Haden, P.R.E.: an illustrated and descriptive catalogue. Liverpool, 1910, cat. no. 54 ii, p. 28, ill; Richard S. Schneiderman A Catalogue Raisonné of the Prints of Sir Francis Seymour Haden. London, 1983, cat. no. 50 vii, p. 143, ill. View of a river bank in Chelsea; in the foreground at left, people with dogs, two carrying long sticks; barges moored near the bank; the house of Whistler seen to the left. Lettered in plate, lower left: "Whistler's House at Old Chelsea Seymour Haden ft. an[no] 1863".  Etching and drypoint; second state of two (Harrington); seventh state of seven (Schneiderman). "All the foreground boats have vertical reflections. There is now a line at the base of the house most to the left, which extends almost to the margin of the plate. This plate 'wore out very soon and had to be destroyed before it had given its full quota of impressions. Published in Études à l'eau-forte (No. VIII.), under the title of 'Old Chelsea,' some copies having the First, others the Second State. Exhibited at the Royal Academy, 1865." [cf. Harrington, p. 28] "There are several preliminary drawings for this print […] similar in composition though the view point is from farther into the river. State VII. Published in Études à l'eau-forte (N. VIII). Line added at base of house on left and a few lines to indicate modeling at right on the wall. The smoke, rising from the chimney of the house, second from the right of Whistler's house, is no longer visible." [cf. Schneiderman, p. 143] Seymour Haden was the unlikely combination of a surgeon and an etcher. Although he pursued a very successful medical career, he is mostly remembered for his etched work as well as for his writings on etching. He was one of a group of artists, including James McNeill Whistler (1834–1903) and Alphonse Legros (1837–1911), whose passionate interest in the medium led to the so-called etching revival, a period that lasted well into the twentieth century. The extolling of etching for its inherent spontaneous qualities reached its pinnacle during this time. While the line of the etching needle, Haden wrote, was "free, expressive, full of vivacity," that of the burin was "cold, constrained, uninteresting," and "without identity." Printed on contemporary laid paper, with margins, perfect condition. Bibliografia Henry Nazeby Harrington The Engraved Work of Sir Francis Seymour Haden, P.R.E.: an illustrated and descriptive catalogue. Liverpool, 1910, cat. no. 54 ii, p. 28, ill; Richard S. Schneiderman A Catalogue Raisonné of the Prints of Sir Francis Seymour Haden. London, 1983, cat. no. 50 vii, p. 143, ill.‎