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JACKSON John Baptiste (1701 - 1780)
Presentazione di Gesù al Tempio
Xilografia a chiaroscuro, 1745, in basso al centro la dedita dello stampatore: Illustrissimo, & Erudito Viro CAROLO FREDERICK Armigero, liberalium Artium Patrono, / Pauli Cagliari praeclarum hoc Opus in Ligno coelatum, in grati animi argumentum humiliter D. D. D. / J: B: Jackson”. Da un dipinto di Paolo VeroneseBell’esemplare, impresso su carta vergata coeva, completo dei margini bianchi, in ottimo stato di conservazione.La tavola è una della 24 dell’opera dal titolo “Titiani Vecelli, Pauli Caliarii, Jacobi Robusti, et Jacobi de Ponte opera selectiora” edita da J. B. Jackson nel 1745.La stampa è tratta dal dipinto di Paolo Caliari, detto il Veronese (1528-1588) per la cassa dell’organo della chiesa di S. Sebastiano, a Venezia, realizzato tra il 1558 e il 1560: le portelle dell’organo, chiuse, mostrano la “Presentazione di Gesù al Tempio”, mentre sul retro, visibile quando lo strumento è in uso, appare la scena della “Probatica piscina”. Chiaroscuro woodcut, 1745. inscribed lower center: “Illustrissimo, & Erudito Viro CAROLO FREDERICK Armigero, liberalium Artium Patrono, / Pauli Cagliari praeclarum hoc Opus in Ligno coelatum, in grati animi argumentum humiliter D. D. D. / J: B: Jackson”. After Paolo Veronese.Good example, printed on contemporary laid paper, white margins, in very good condition.Published as 1 of 24 prints and originally issued in portfolio with title: “Titiani Vecelli, Pauli Caliarii, JacobiRobusti, et Jacobi de Ponte opera selectiora”The plate is after an organ shutter of ca. 1588 painted by Paolo Veronese (1528-1588) for the Church of San Sebastiano, Venice. In 1558, Paolo designed the organ and painted its external shutters with the Presentation of Christ and the internal ones with a Pool of Bethesda (1560). The Presentation represents the bringing of the infant Jesus by Mary and Joseph to the Temple in Jerusalem to be 'consecrated to the Lord.' The Jewish rite of the 'purification' of the mother was celebrated simultaneously and involved the sacrifice of doves or pigeons and incorporated a procession of candles, both of which are portrayed by Veronese. The painted and actual architecture of Paolo's organ in San Sebastiano are coordinated so that, whether the shutters are open or closed, painted architecture continues the organ’s exterior architecture in both perspective and vocabulary. Kainen, Jacob. John Baptist Jackson : 18th-century master of the color woodcut, 1962
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GOLE Jacob (Francia 1660 - Amsterdam 1707)
Adrian van Ostade Pictoris
Maniera nera, 1680-1700 circa, nella cornice ovale: “ADRIANI VAN OSTADE PICTORIS”, firmato in basso a sinistra “A. van Ostade del: Effigies”, e a destra “J. Gole exc: cum Privil: ord: Holland:”. Stato unico. Da un autoritratto di Adrian van Ostade. Jacob Gole (1660-1737) fu un incisore, editore e produttore di carte da gioco franco-olandese. Nato in Francia, figlio dell’ebanista francese Pierre Gole, come ugonotto fu costretto ad emigrare in Olanda, intorno al 1684. Sua sorella sposò un altro ugonotto emigrato, Daniel Marot. Legato a Cornelis Dusart, pubblicò stampe di Dirk Maas. Poco si sa della sua vita. È noto per i suoi ritratti alla maniera nera delle personalità più importanti del suo tempo, come Guglielmo III d'Orange-Nassau, Papa Innocenzo XI, Filippo d’Orleans, Luigi XIV, Giovanni III Sobieski, Augusto II, Federico Guglielmo I di Brandeburgo, Kara Mustafa. Fece anche un ritratto di Rembrandt, dal quale interpretò diverse incisioni. La sua stamperia ad Amsterdam aveva due indirizzi: Vijselstraat, bij de Prinse graft, Amsterdam e Leydse Straat, by de Prince graft, tot Amsterdam. Bella prova, impressa su carta vergata coeva, margini bianchi, in ottimo stato di conservazione. Mezzotint, 1680-1700 circa, circularly in the image “ADRIANI VAN OSTADE PICTORIS”, signed at bottom left “A. van Ostade del: Effigies”, at bottom right "J. Gole exc: cum Privil: ord: Holland:" Only state. After A. van Ostade. Jacob Gole (1660-1737) was a Dutch mezzotinter, engraver, publisher, and playing-card maker. Born in France, son of the French cabinet-maker Pierre Gole, emigrated as a Huguenot to Holland circa 1684. His sister married another Huguenot émigré, Daniel Marot. Linked with Cornelis Dusart, and published prints by Dirk Maas. Little is known about his life. He is known for his portraits in the black manner of the most important personalities of his time, such as William III of Orange-Nassau, Pope Innocent XI, Philip of Orleans, Louis XIV1, John III Sobieski, Augustus II, Frederick William I of Brandenburg, Kara Mustafa. He also made a portrait of Rembrandt, from whom he interpreted several engravings. His print shop in Amsterdam had two addresses: Vijselstraat, bij de Prinse graft, Amsterdam and Leydse Straat, by de Prince graft, tot Amsterdam. Good example, printed on contemporary laid paper, with margins, in good condition. Hollstein VII p. 214 (Gole); Wessely 103 (Gole)
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
Autoritratto
Opera tratta dai "Los Caprichos", per la prima volta pubblicati nel 1799. Prova della quinta edizione di dodici, stampata dalla calcografia di Madrid, circa 1883. Acquaforte, acquatinta brunita e puntasecca, in perfetto stato di conservazione. La serie chiamata Los Caprichos è composta da ottanta incisioni, la cui prima edizione [l’unica a non essere pubblicata postuma] venne alla luce nel 1799. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato. Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa Plate 1: portrait of the artist wearing hat, bust-length to left; Fifth Edition c.1883 impression. 1799 Etching, aquatint, drypoint and burinFrom the fifth edition of twelve of the so-called "Los Caprichos" series, edited by the Madrid Calcografia [circa 1883].A very good impression, with good contrast, printed on contemporary paper, customary margins, in very good conditions. The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid pape. Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship. The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. Harris 36, Delteil 38.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
Subir y bajar
Opera tratta dai "Los Caprichos", per la prima volta pubblicati nel 1799. Prova della seconda edizione di dodici, stampata dalla calcografia di Madrid. Acquaforte, acquatinta brunita e puntasecca, in perfetto stato di conservazione. La serie chiamata Los Caprichos è composta da ottanta incisioni, la cui prima edizione [l’unica a non essere pubblicata postuma] venne alla luce nel 1799. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato. Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa. Plate 56: figures falling through air, including satyr; from a bound album of the second edition impressions. 1799 Etching and burnished aquatint.From the second edition of twelve of the so-called "Los Caprichos" series, edited by the Madrid Calcografia.A very good impression, with good contrast, printed on contemporary paper, customary margins, in very good conditions. The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid pape. Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship. The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. Harris 91; Delteil 93.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
Hasta la muerte
Opera tratta dai "Los Caprichos", per la prima volta pubblicati nel 1799. Prova della quarta edizione di dodici, stampata dalla calcografia di Madrid (circa 1870).Acquaforte, acquatinta brunita e puntasecca, in perfetto stato di conservazione. La serie chiamata Los Caprichos è composta da ottanta incisioni, la cui prima edizione [l’unica a non essere pubblicata postuma] venne alla luce nel 1799. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato. Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa. Plate 55: old woman prettifying herself at mirror, maid and two male servants watching; from an album of the fourth edition. 1799 Etching, burnished aquatint and drypoint.From the fourth edition of twelve of the so-called "Los Caprichos" series, edited by the Madrid Calcografia.A very good impression, with good contrast, printed on contemporary paper, customary margins, in very good conditions. The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid pape. Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship. The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. Harris 90; Delteil 92.
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Seuter Johann Gottfried (Augsburg 1717-1800)
Allegoria delle tre età dell'uomo
Acquaforte e bulino, circa 1749, firmata in lastra in basso a destra. Da un dipinto di Tiziano Vecellio.Intorno al 1749 fu deciso di ripubblicare le tavole eseguite da Lefevre per il famoso set "Opera Selectiora". A causa di un cambiamento nel gusto e perché si erano consumati, le lastre vennero ritoccate con lavori di rifinitura di artisti come Giuseppe Waggner e Johann Gottfried Saiter o completamente rifatti. La raccolta venne pubblicata come "Le opere scelte dipinte da Tiziano Vecellio di Cadore, e da Paolo Cagliari di Verona" (Venezia, 1749). Una seconda edizione, con l'aggiunta di opere della collezione di Lovisa, fu pubblicata da Teodoro Viero (Venezia, 1786) con un titolo diverso: "Raccolta di Opere Scelte Dipinte da Tiziano Vecellio, Antonio Regillo detto il Pordenone, Giacomo Robusti detto il Tintoretto, Paolo Calliari Veronese, Dario Varotari detto il Padoanino, Li Bassani, Giacomo Palma, Giuseppe Salviati, e vari altri celebri Maestri della Scola Veneziana, che fiorirono ne 'tempi posteriori. Disegnate, ed Incise in parte Da Valentino Le Febre Di Bruxelles, ed in parte Da Silvestro Manaigo, e da Andrea Zucchi Veneti ".Bellissima prova, con margini, in perfetto stato di conservazione. Allegory on the three ages of man, after Titian; landscape with in the right foreground, seated on the ground, a naked young man and a woman playing pipe, on the left a winged putto stepping over two sleeping children, and beyond an old man contemplating a skull. The painting is now in the National Gallery of Scotland, Edinburgh.From 'Raccolta Di Opere Scelte'.Around 1749 it was decided that the plates executed by Lefevre for the famous "Opera Selectiora" set were to be republished. Because of a change in taste, and because they had worn off, the plates were either retouched with burin work by artists such as Giuseppe Waggner and Johann Gottfried Saiter, or completely remade. The set was published as "Le opere scelte dipinte da Tiziano Vecellio di Cadore, e da Paolo Cagliari di Verona" (Venice, 1749). A second edition, with added plates from the collection of Lovisa, was published by Teodoro Viero (Venice, 1786) under a different title: "Raccolta Di Opere Scelte Dipinte da Tiziano Vecellio, Antonio Regillo detto il Pordenone, Giacomo Robusti detto il Tintoretto, Paolo Calliari Veronese, Dario Varotari detto il Padoanino, Li Bassani, Giacomo Palma, Giuseppe Salviati, e varj altri celebri Maestri della Scola Veneziana, che fiorirono ne' tempi posteriori. Disegnate, ed Incise in parte Da Valentino Le Febre Di Bruxelles, ed in parte Da Silvestro Manaigo, e da Andrea Zucchi Veneti". [See "Jacopo Tintoretto e suoi incisori", Milan 1994, cat. 95, page 96].
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PINE John
Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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PINE John
Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati, insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati, insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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PINE John
Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati, insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati, insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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PINE John
Battaglia navale
Acquaforte stampata in verde / blu, tratta da The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Poco dopo la sconfitta dell'armata spagnola del 1588, Lord Howard of Effingham, comandante della flotta britannica, commissionò a Robert Adams la produzione di una serie di disegni che rappresentavano le varie fasi dell'azione; poi commissionò H.C. Vroom la realizzazione di una serie di disegni per arazzi, basati sul lavoro di Adams. Le tele furono tessute da Francis Spiring di Haarlem. Alcuni anni dopo, i disegni furono venduti a Giacomo I e, successivamente, arredarono le pareti della Camera dei Lord. Tutti gli arazzi, tranne uno rubato precedentemente, furono bruciati, insieme a gran parte del Palazzo di Westminster nel 1834. La grande opera di Pine che raffigura questa famosa battaglia navale è, ora, di grande importanza storica. A parte il notevole dettaglio dell'incisione e la ricchezza dell'invenzione nei vari cartigli, l'uso contenuto dell'inchiostro colorato per stampare la superficie della lastra produce un effetto sorprendentemente attraente e rappresenta un importante esempio primordiale della stampa a colori per le illustrazioni. Bellissimo esemplare, stampato su carta vergata coeva, con pieni margini, in ottimo stato di conservazione. Etching printed in green/blue, taken from The tapestry hangings of the House of Lords: representing the several engagements between the English and Spanish fleets, in the ever memorable year MDLXXXVIII, with the portraits of the Lord High-Admiral, and the other noble commanders, taken from the life. To which are added, from a book entitled, Expeditionis Hispanorum in Angliam Vera Descriptio, A.D. 1588, done, as is supposed, for the said tapestry to be work'd after, ten charts of the sea-coasts of England, and a general one of England, Scotland, Ireland, France, Holland, &c. shewing the places of action between the two fleets; ornaments with medals struck upon the occasion, and other suitable devices. Also an historical account of each day's action, collected from the most authentic manuscripts and writers. By John Pine, engraver. London, MDCCXXXIX. Sold by J. Pine in Old Bond Street near Picadilly. Shortly after the defeat of the Spanish “Armada” in 1588, Lord Howard of Effingham, commander of the British Fleet, commissioned Robert Adams to produce a series of charts representing the various phases of the action and then H.C. Vroom to produce a series of designs for tapestries, based on the work of Adams. They were woven by Francis Spiring of Haarlem. Some years later, they were sold to James I and eventually came to furnish the walls of the House of Lords. All the tapestries, except one stolen at an earlier date and now lost, were burned in the fire that destroyed most of the Palace of Westminster in 1834. Pine's great work depicting this famous naval battle is therefore now of great historical importance. Apart from the remarkable detail of the engraving and the wealth of invention in the various cartouches, the restrained use of coloured ink to print the plate surface produces a strikingly attractive effect, and represents a very early example of the colour-printing of illustrations. T.Clayton, 'The English Print 1688-1802', New Haven and London, 1997, pp.87; Berlin Catalogue 1677.
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LEYDEN Lucas van (Leida 1494 - 1533)
Spes (La Speranza)
Bulino, 1530, firmato in lastra, in basso nell’immagine, con il monogramma “L” seguito dall’iscrizione “SPES”. Esemplare nel primo stato, di tre.Superba prova, ricca di toni e ben contrastata, impressa su carta vergata coeva, rifilata alla linea del rame, in eccellente stato conservativo.Della serie “Le Virtù”, composta da sette tavole. La data, 1530, è riportata sulla prima e sulla quarta tavola, raffiguranti le virtù della Fede e della Prudenza.“Le Virtù cristiane, dette teologali, erano Fede, Speranza e Carità, e a queste ultime i padri della chiesa aggiunsero le quattro virtù cardinali descritte nella repubblica di Platone: Giustizia, Prudenza e Temperanza. Cosicchè questi soggetti trattati dagli artisti come serie, alle volte in contrasto con i Vizi Capitali (che Luca non eseguì) erano graditi al Clero. Luca, sempre attento a eseguire immagini che potessero essere facilmente apprezzate, si impegnò a fondo eseguendo questi sette nudi nel suo stile italianeggiante in cui gli effetti di monumentalità e di tutto tondo sono particolarmente riusciti.” (Salamon, 114) Engraving, 1530, signed with the monogram "L" and lettered "SPES". First state, of three.Magnificent work, printed on contemporary laid paper, trimmed close to platemark, in excellent condition.A nude allegorical figure of hope sits on a stone ledge in profile to right, her hands are raised before her and she looks out of a doorway at back right toward a ray of light in the sky at upper right; an angel at upper left holds a halo over her head.The plate is the second in a series of seven plates of the Virtues. Two of the seven plates bear the date 1530.The Christian Virtues, called theological, were Faith, Hope and Charity, and to the latter the fathers of the church added the four cardinal virtues described in Plato's republic: Justice, Prudence and Temperance. So these subjects treated by the artists as serious, sometimes in contrast to the Capital Vices (which Luke did not perform) were appreciated by the Clergy. Luca, always careful to execute images that could be easily appreciated, worked hard to execute these seven nudes in his Italian style in which the effects of monumentality and all-round are particularly successful. Bartsch VII.420.128; Hollstein 128; Filedt-Kok, 128; The New Hollstein, 128; TIB, 115; Salamon, n. 114.
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SADELER II Aegidius (Anversa, 1570 circa - Praga, 1629).
Inscius non honorabitur (Il Trionfo della Saggezza sull’Ignoranza)
Bulino, 1600 circa, firmato nell’immagine, in basso al centro "B. Spranger invent. / Fig. Sadeler sculp.". Nel margine inferiore, quattro versi in latino su due colonne “Non datur; eximas veneret, ut inscius artes, solus eas quaerens noscere, gestit amor…” e al centro “Inscius non honorabitur” Da un dipinto di Bartholomäus Spranger, 1596 circa, conservato a Vienna Magnifica prova, ricca di toni, impressa su carta vergata coeva, rifilata alla linea marginale, restauri perfettamente eseguiti agli angoli, tracce di piega orizzontale, per il resto in buono stato di conservazione. La composizione rappresenta l’allegoria della vittoria della saggezza sull’ignoranza. La saggezza è nelle sembianze di Minerva che ha un piede sull'ignoranza - un uomo con le orecchie d'asino, con le mani legate da una corda. Un putto la onora con una corona di alloro. Intorno a loro ci sono sette personificazioni delle sette arti libere: astronomia, musica, geometria, pittura, scultura e retorica, tra le altre. Sotto la rappresentazione c'è una didascalia latina di quattro righe che sottolinea che gli ignoranti sono incapaci di adorare le arti. Bibliografia Hollstein, XXI,115; Wurzbach 82. Engraving, 1600 circa, inscribed "B. Spranger invent. Fig. Sadeler sculp." in the plate, bottom centre. In margin below, four Latin lines in two columns “Non datur; eximas veneret, ut inscius artes, solus eas quaerens noscere, gestit amor…”, at centre: “Inscius non honorabitur”. Magnificent proof, rich in tone, printed on contemporary laid paper, trimmed at the marginal line, perfectly executed restorations at the corners, traces of horizontal crease, otherwise in good condition. After the painting by Bartholomäus Spranger, around 1596, in the Kunsthistorisches Museum, Wien Wisdom is in the form of Minerva with one foot on ignorance, a man with donkey ears. A putto honors her with a laurel wreath. She has tied the hands of the man with a rope. Around them are seven personifications as a variation on the seven liberal arts: astronomy, music, geometry, painting, sculpture and rhetoric. Under the representation a four-line, Latin caption emphasizes that ignorant people are incapable of worshipping the arts. Literature Hollstein, XXI,115; Wurzbach 82.
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MULLER Jan Harmensz (Amsterdam 1571 - 1628)
Il Martirio di San Sebastiano
Bulino, 1600 circa, in basso a sinistra: 'Joannes ab Achen invenetor. / Joan. Mullerus sculpsit"; in basso a destra: "H Muller [HM intrecciato] excud:". Sei righe latine, su tre colonne nel margine in basso: Cum fera tela sinus rimantur pectoris altus / / Et lacerata tua membra crucis madent / / Tum dulcis tibi .... Esemplare nel secondo stato, di quattro, secondo Filedt Kok. Da un dipinto di Hans von Aachen realizzato nel 1590 per il collegio gesuita Saint-Michel di Monaco. Magnifica prova, ricca di toni, impressa su carta vergata coeva con filigrana “scudo di Strasburgo” (simile a The New Hollstein, Muller II, p. 308), rifilata al rame o con piccoli margini, pieghe di carta visibili nella parte inferiore, minimi restauri nelle scritte in basso, per il resto in buono stato di conservazione. L’opera, secondo formule stereotipate nella consuetudine della controriforma, distingue il piano terrestre da quello celeste. In basso, in primo piano, la scena del martirio: sulla destra il gruppo degli arcieri costituisce il nucleo drammatico della scena, con un contrasto intenso fra i loro volti turbati, le loro sagome parzialmente in ombra, i muscoli tesi nello sforzo da una parte e, dall’altra, la bellezza radiosa del santo, il cui corpo, definito da un deciso plasticismo e da una massiccia volumetria, si offre docilmente al martirio, persino incurvandosi in una posizione parallela agli archi ostili. Nella parte superiore un angelo giunge in soccorso del Santo avendo nelle mani la corona d’alloro – simbolo della vittoria attraverso il martirio – e la palma simbolo del martirio e della rinascita. Bibliografia The New Hollstein (Muller Dynasty) part 2.98.23 ii/iv; The New Hollstein (Aachen) 114.44 ii/iv; Bartsch, III.273.23. Engraving, 1600 circa, arched plate, lettered in plate, lower left: 'Joannes ab Achen invenetor. / Joan. Mullerus sculpsit.'; lower right: 'H Muller [HM entwined] excud:'. Six lines Latin in three columns in margin below: Cum fera tela sinus rimantur pectoris altus / / Et lacerata tua membra crucis madent: / / Tum dulcis tibi .... Example in the second state, of four, according Filedt Kok. After a painting by Hans von Aachen in the Jesuit church of St Michaels Hofkirche. Magnificent proof, rich in tone, printed on contemporary laid paper with "Strasbourg shield" watermark (similar to The New Hollstein, Muller II, p. 308), trimmed at the copper or with small margins, paper creases visible at the bottom, minimal restorations in the bottom lettering, otherwise in good condition. Sebastian is bound to a tree with one of his arms raised over his head and tied at the wrist to a broken limb; a group of archers aim their weapons at him; a winged putti holding a palm and wreath hovers overhead. Literature The New Hollstein (Muller Dynasty) part 2.98.23 ii/iv; The New Hollstein (Aachen) 114.44 ii/iv; Bartsch, III.273.23.
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MULLER Jan Harmensz (Amsterdam 1571 - 1628)
Lot e le figlie
Bulino, 1600 circa, firmata in lastra nell’immagine, in basso a destra: “Joannes Muller. fecit”, at left: “Harmannus Muller. excud. Amstelodamj”. Magnifica prova, ricca di toni, impressa su carta vergata coeva, rifilata al rame ed applicata su antico supporto del XIX secolo, tracce di usura nella parte inferiore, nel complesso in buono stato di conservazione. Questa incisione, anche se per ragioni stilistiche strettamente legata a Spranger, dev’essere stata disegnata dallo stesso Muller. Il disegno di questa stampa, firmato "JMuller fecit", è attribuito da Bartsch (III, p. 284, n. 64) a Spranger. Obheruber (cfr. Die Stilistiche Entwicklung im Werk Bartholomaeus Spranger, p. 294 n. 93), ha evidenziato l'inesattezza di quest’attribuzione. Bibliografia Bartsch, III.286.64; The New Hollstein, II, p. p.177, 64 II/IV; Filedt Kok (Print Quarterly, september 1994) pp. 250 -251; Hollstein, XIV, 10. Engraving, 1600 circa, signed below in the image, at right: “Joannes Muller. fecit”; at left “Harmannus Muller. excud. Amstelodamj”. A fine impression, printed with tone on contemporary laid paper, trimmed to the borderline and pasted on 19th Century mounting, good condition. This print, though stylistically closely related to Spranger, must have been designed by Muller himself. The drawing for this print, signed “JMuller fecit”, is attributed by Bartsch (III, p. 284, n. 64) to Spranger. Obheruber (cf. Die Stilistiche Entwicklung im Werk Bartholomaeus Spranger, p. 294 n. 93), has pointed out the inaccuracy of the attribution to Spranger. Literature Bartsch, III.286.64; The New Hollstein, II, p. p.177, 64 II/IV; Filedt Kok (Print Quarterly, september 1994) pp. 250 -251; Hollstein, XIV, 10.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
El Vergognoso
Acquaforte, acquatinta brunita e bulino, 1799.Dalla rara prima edizione di dodici della serie detta Los Caprichos, tavola 54.Magnifica prova, particolarmente nitida, impressa su carta vergata coeva, con usuali ampli margini, in perfetto stato di conservazione.La serie chiamata Los Caprichos, è composta da ottanta incisioni. Questa prima edizione del 1799, l’unica a non essere pubblicata postuma, è impressa su soffice carta vergata di gran qualità ed è stampata usando un delicato inchiostro seppia. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato. Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. Per questo ne sono stimati solo circa 300 esemplari. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa In questo soggetto Goya affronta il tema del mondo alla rovescia. Nella scena ci sono tre personaggi, il centro dell'attenzione è l'uomo che sta mangiando, e che cerca di evitare tutti gli sguardi, vergognandosi dei tratti osceni del suo viso. L'artista ha chiaramente indicato il suo pensiero disegnando la cintura di un paio di pantaloni sopra la testa del personaggio. I nasi sono una presenza notevole sul viso, e nel linguaggio popolare "nasi" è un chiaro eufemismo sessuale. Il modo in cui il viso è costruito, in modo che sopracciglia, occhi e naso evochino l'apparato genitale maschile, rafforzerebbe lo stesso senso. Altri commenti insinuano che la figura, nel piano superiore, con i suoi grandi pugni serrati, stia commettendo sodomia con la figura che tiene il vaso da cui mangia l'uomo vergognoso. L'anno 1799 è uno dei momenti chiave nella vita e nel lavoro di Francisco de Goya. Oltre ad essere nominato primo pittore da camera di Goya, a godere di un crescente prestigio come ritrattista e ad inaugurare la cappella di San Antonio de la Florida, che aveva decorato, il 6 febbraio il Diario de Madrid pubblicò un annuncio in cui venivano messe in vendita le ottanta stampe che compongono la serie dei Caprichos. Bellissimo esemplare. Al verso timbro di collezione HENRI MARIE PETIET (Saint-Prix, Seine-et-Oise, 1894-1980), editore, libraio e mercante di stampe a Parigi (Lugt 5031). - The rare first edition -Etching, burnished aquatint and engraving, 1799.From the rare first edition (of twelve) of Los Caprichos, plate 54.A very fine impression, showing a good contrast, on contemporary paper, with usual wide margins, perfect condition.The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid paper of great quality and is printed using a delicate sepia ink. Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship. For this it is estimated only about 300 copies. The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. In this print Goya approaches the theme of the world upside down. In the scene there are three characters, being the focus of attention the man who is eating, and tries to avoid all eyes, ashamed of the obscene features of his face. The artist has clearly indicated his thinking by drawing above the character's head the waistband of a pair of pants. The noses take on a notable presence on the face, and in popular language "noses" is a clear sexual euphemism. The way the face is constructed, so that eyebrows, eyes and nose evoke the male genital apparatus, would reinforce the same sense. Other comments insinuate that the figure, in the upper plane, with his large clenched fists, is committing sodomy with the figure holding the vessel from which the shameful man eats. The year 1799 is one of the key moments in the life and work of Francisco de Goya. In addition to being named first chamber painter, enjoying a growing prestige as a portrait painter and the inauguration of the chapel of San Antonio de la Florida, which he had decorated, on February 6 the announcement of the sale of the eighty prints that form the series of the Caprichos was published in the Diario de Madrid. Here, Goya focuses his social criticism on the bestiality of a deformed man whose head emerges from his breeches. Among the slight variations between the print and the preparatory drawing, the most striking is that, in the former, he wears his trousers, but in the latter, he does not. As a result, the latter came to be known as The satire of man’s lechery. Moreover, this is the only drawing in the series to mix red-ink wash with pen. Valentín Carderera’s handwritten commentaries on the Caprichos, which are in both the Biblioteca Nacional and the Museo del Prado, further clarify this subject. The first reads: Men with large noses also tend to have large arrows [here, “arrow” is a euphemism for penis] and fat gandumbas [testicles]. As they are often sodomites, this one is depicted with his breeches on his head, with his pudenda hanging out as he lies on top of a poor devil and pulls up his skirts. The second commentary completes the information: There are men whose face is the most indecent part of their body, and it would be good if those whose face is that disgraceful and ridiculous would stick it in their breeches. Example from the HENRI MARIE PETIET (Saint-Prix, Seine-et-Oise, 1894-1980) collection (Lugt 5031). Harris 1964, 89.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
El Vergognoso
Opera tratta dai Los Caprichos, per la prima volta pubblicati nel 1799.Prova della quarta edizione di dodici, stampata dalla calcografia di Madrid, circa 1870.Acquaforte, acquatinta brunita e puntasecca, in perfetto stato di conservazione.La serie chiamata Los Caprichos, è composta da ottanta incisioni, la cui prima edizione [l’unica a non essere pubblicata postuma] venne alla luce ne 1799. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato.Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa. In questo soggetto Goya affronta il tema del mondo alla rovescia. Nella scena ci sono tre personaggi, il centro dell'attenzione è l'uomo che sta mangiando, e che cerca di evitare tutti gli sguardi, vergognandosi dei tratti osceni del suo viso. L'artista ha chiaramente indicato il suo pensiero disegnando la cintura di un paio di pantaloni sopra la testa del personaggio. I nasi assumono una presenza notevole sul viso, e nel linguaggio popolare "nasi" è un chiaro eufemismo sessuale. Il modo in cui il viso è costruito, in modo che sopracciglia, occhi e naso evochino l'apparato genitale maschile, rafforzerebbe lo stesso senso. Altri commenti insinuano che la figura, nel piano superiore, con i suoi grandi pugni serrati, stia commettendo sodomia con la figura che tiene il vaso da cui mangia l'uomo vergognoso. L'anno 1799 è uno dei momenti chiave nella vita e nel lavoro di Francisco de Goya. Oltre ad essere nominato primo pittore da camera di Goya, a godere di un crescente prestigio come ritrattista e ad inaugurare la cappella di San Antonio de la Florida, che aveva decorato, il 6 febbraio il Diario de Madrid pubblicò un annuncio in cui venivano messe in vendita le ottanta stampe che compongono la serie dei Caprichos. Etching with burnished aquatint and engraving, 1799.From the fourth edition of twelve of the so-called Los Caprichos series, edited by the Madrid Calcografia [circa 1870].A very good impression, with good contrast, printed on contemporary paper, usual wide margins, in very good conditions.The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid pape.Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship.The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. In this print Goya approaches the theme of the world upside down. In the scene there are three characters, being the focus of attention the man who is eating, and tries to avoid all eyes, ashamed of the obscene features of his face. The artist has clearly indicated his thinking by drawing above the character's head the waistband of a pair of pants. The noses take on a notable presence on the face, and in popular language "noses" is a clear sexual euphemism. The way the face is constructed, so that eyebrows, eyes and nose evoke the male genital apparatus, would reinforce the same sense. Other comments insinuate that the figure, in the upper plane, with his large clenched fists, is committing sodomy with the figure holding the vessel from which the shameful man eats. The year 1799 is one of the key moments in the life and work of Francisco de Goya. In addition to being named first chamber painter, enjoying a growing prestige as a portrait painter and the inauguration of the chapel of San Antonio de la Florida, which he had decorated, on February 6 the announcement of the sale of the eighty prints that form the series of the Caprichos was published in the Diario de Madrid. Here, Goya focuses his social criticism on the bestiality of a deformed man whose head emerges from his breeches. Among the slight variations between the print and the preparatory drawing, the most striking is that, in the former, he wears his trousers, but in the latter, he does not. As a result, the latter came to be known as The satire of man’s lechery. Moreover, this is the only drawing in the series to mix red-ink wash with pen. Valentín Carderera’s handwritten commentaries on the Caprichos, which are in both the Biblioteca Nacional and the Museo del Prado, further clarify this subject. The first reads: Men with large noses also tend to have large arrows [here, “arrow” is a euphemism for penis] and fat gandumbas [testicles]. As they are often sodomites, this one is depicted with his breeches on his head, with his pudenda hanging out as he lies on top of a poor devil and pulls up his skirts. The second commentary completes the information: There are men whose face is the most indecent part of their body, and it would be good if those whose face is that disgraceful and ridiculous would stick it in their breeches. Example fomr the HENRI MARIE PETIET (Saint-Prix, Seine-et-Oise, 1894-1980) collection (Lugt 5031). Harris 89; Delteil 91.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
Al Conde Palatino
Opera tratta dai Los Caprichos, per la prima volta pubblicati nel 1799.Prova della quarta edizione di dodici, stampata dalla calcografia di Madrid, circa 1870.Acquaforte, acquatinta brunita e puntasecca, in perfetto stato di conservazione.La serie chiamata Los Caprichos, è composta da ottanta incisioni, la cui prima edizione [l’unica a non essere pubblicata postuma] venne alla luce ne 1799. Curata in fase d’edizione dallo stesso artista, la serie fu commercializzata e dopo poco tempo ritirata dal mercato.Infatti, a causa dei numerosi soggetti che ironizzavano sulla società spagnola di fine secolo, il Goya subì una censura. L’interpretazione dei soggetti rappresentati su queste lastre, sempre enigmatiche, è spesso controversa. Etching with burnished aquatint and engraving, 1799.From the fourth edition of twelve of the so-called Los Caprichos series, edited by the Madrid Calcografia [circa 1870].A very good impression, with good contrast, printed on contemporary paper, usual wide margins, in very good conditions.The series called Los Caprichos, consists of eighty etchings. This first edition of 1799, the only one not to be published posthumously, is imprinted on soft laid pape.Cured in phase edition by the same artist, the series was marketed and before long withdrawn from the market. In fact, because of the many subjects that mocked the Spanish society of the century, Goya suffered censorship.The interpretation of the subjects represented on these plates, always enigmatic, is often controversial. Harris 68, Delteil 70.
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GOYA Y Lucientes Francisco de (Fuente de Todos 1746 - Bordeaux 1828)
Tan barbara la seguridad como el delito (Il prigioniero)
Acquaforte e bulino, circa 1810/15. Il titolo dell’opera è tratto da una scrittura a mano in una prova di stampa dell’opera che Goya include nell’album dei “Disastri della guerra” che donò al suo amico Ceán Bermúdez e che ora è conservato al British Museum di Londra. Il disegno preparatorio dell’opera è conservato al Prado di Madrid. Esemplare nel terzo stato di quattro, inserito nella Gazette des Beaux-Arts (1867); si tratta della prima vera edizione dell’opera, conosciuta altrimenti solo attraverso due prove di stampa. "A seated prisoner raises his clasped hands, both fastened with chains, in a gesture of supplication. We cannot see his features since his face is hidden beneath his long, dark hair. His feet are fastened in large shackles. Both the chains and the shackles are of considerable size, underlining their importance in any interpretation of the print. In fact, just as the title of the etching shows, the painter is comparing the excessive zeal employed in preventing the prisoner from escaping to the brutality of the crime he is accused of. It is possible that the way in which the prisoner is secured in this work by Goya was habitual at the time, an idea which is supported by certain passages of Forensic Discourses (Discursos forenses), by Juan Meléndez Valdés (Ribera del Fresno, Badajoz, 1754- Montpellier, 1814), whose portrait Goya painted in 1797. This book, published in Madrid in 1821, speaks of the cumbersome chains and shackles used to hold one María Vicente, put to death on the 23rd April 1798. Goya could well have known of her story: "But it is said that Doña María Vicente must have been treated, as the noblewoman that she is, in a very different manner, and not locked in shackles; and even thus fettered it was the judge's responsibility to examine their state and quality beforehand, to order them put on correctly". The painter has made extensive use of the etching technique here, building up the background with short, horizontal lines, whilst leaving large areas on the prisoner's clothing untouched and white, underlining his innocence. This etching would have been made at the same time as two others: The custody of a prisoner does not call for torture and If he is guilty, let him die quickly. In these images, Goya openly expresses his repulsion of the way in which prisoners were treated, as well as his opposition to the death penalty, echoing the ideas of Cesare Beccaria (Milan, 1738- Milan, 1794). In the pages of the work entitled Dei deliti e delle pene, published between 1763 and 1764, the Milanese talks of the need to modify the penal system, to lessen the severity of punishments and to seek out mechanisms for preventing crime. It is possible that these etchings also contributed to the debate on the abolition of torture which was being discussed in the Courts of Cádiz. Goya reiterates this same topic in some of the prints in his Disasters of War series, such as no. 15, And it can't be helped, no. 31, That's tough!, no. 32, Why?, no. 34, On account of a knife, no. 35, One can't tell why and no. 36, Not in this case either. Despite the gritty subject matter, the figure depicted in this etching possesses great dignity, recalling some earlier precedents which Goya may have been familiar with. One of these is an anonymous print based on Interior of a Prison (16th century, Museum of Fine Arts, Boston), by Giulio Romano (Rome, 1499-Mantua, 1596). When he was making this print, Goya may also have had in mind the disturbing, gloomy ambience of the prisons of Giambattista Piranesi (Mogliano Veneto, Treviso, 1720- Roma, 1778)." (cfr. https://fundaciongoyaenaragon.es/eng/obra/tan-barbara-la-seguridad-como-el-delito/712). Tomás Harris ritiene che la matrice di rame si trovi in una collezione privata di Parigi. Bibliografia Harris 26 III/IV; Delteil 31. Etching and engraving, circa 1810/15. The title of this work is taken from the handwritten title of a state proof that Goya included in the album of his Disasters of War prints which he gave to his friend Ceán Bermúdez and which is now in the British Museum, London. The preparatory drawing for this etching is in the Prado Museum, Madrid. Example of the third state of four, form the Gazette des Beaux-Arts (1867), firts edition of this work, before known only for proof states. "A seated prisoner raises his clasped hands, both fastened with chains, in a gesture of supplication. We cannot see his features since his face is hidden beneath his long, dark hair. His feet are fastened in large shackles. Both the chains and the shackles are of considerable size, underlining their importance in any interpretation of the print. In fact, just as the title of the etching shows, the painter is comparing the excessive zeal employed in preventing the prisoner from escaping to the brutality of the crime he is accused of. It is possible that the way in which the prisoner is secured in this work by Goya was habitual at the time, an idea which is supported by certain passages of Forensic Discourses (Discursos forenses), by Juan Meléndez Valdés (Ribera del Fresno, Badajoz, 1754- Montpellier, 1814), whose portrait Goya painted in 1797. This book, published in Madrid in 1821, speaks of the cumbersome chains and shackles used to hold one María Vicente, put to death on the 23rd April 1798. Goya could well have known of her story: "But it is said that Doña María Vicente must have been treated, as the noblewoman that she is, in a very different manner, and not locked in shackles; and even thus fettered it was the judge's responsibility to examine their state and quality beforehand, to order them put on correctly". The painter has made extensive use of the etching technique here, building up the background with short, horizontal lines, whilst leaving large areas on the prisoner's clothing untouched and white, underlining his innocence. This etching would have been made at the same time as two others: The custody of a prisoner does not call for torture and If he is guilty, let him die quickly. In these images, Goya openly expresses his repulsion of the way in which prisoners were treated, as well as his opposition to the death penalty, echoing the ideas of Cesare Beccaria (Milan, 1738- Milan, 1794). In the pages of the work entitled Dei deliti e delle pene, published between 1763 and 1764, the Milanese talks of the need to modify the penal system, to lessen the severity of punishments and to seek out mechanisms for preventing crime. It is possible that these etchings also contributed to the debate on the abolition of torture which was being discussed in the Courts of Cádiz. Goya reiterates this same topic in some of the prints in his Disasters of War series, such as no. 15, And it can't be helped, no. 31, That's tough!, no. 32, Why?, no. 34, On account of a knife, no. 35, One can't tell why and no. 36, Not in this case either. Despite the gritty subject matter, the figure depicted in this etching possesses great dignity, recalling some earlier precedents which Goya may have been familiar with. One of these is an anonymous print based on Interior of a Prison (16th century, Museum of Fine Arts, Boston), by Giulio Romano (Rome, 1499-Mantua, 1596). When he was making this print, Goya may also have had in mind the disturbing, gloomy ambience of the prisons of Giambattista Piranesi (Mogliano Veneto, Treviso, 1720- Roma, 1778)." (cf. https://fundaciongoyaenaragon.es/eng/obra/tan-barbara-la-seguridad-como-el-delito/712). Tomás Harris believes that the plate for this etching may be in a private collection in Paris. Literature Harris 26 III/IV; Delteil 31. Harris 26, III/IV; Delteil 31.
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DURER Albrecht (Norimberga 1471 - 1528)
I tre Vescovi
Xilografia, 1505 circa, monogrammata nella tavoletta in basso a destra. Stato unico, nella terza variante, di cinque, descritte da Meder (n. 233 c/e) Magnifica prova, nitida e ben contrastata, nella terza variante descritta da Meder, caratterizzata da una piccola rottura del legno che comporta una mancanza di circa 5 mm nella parte superiore della linea d’inquadramento. In ottimo stato di conservazione. San Nicola, a sinistra, è identificato dal pane che tiene in mano, che gli fu portato durante una carestia sull'isola dove viveva, dalla barca sullo sfondo. Sant'Erasmo, a destra, sta portando le sue viscere, avvolte intorno a un rocchetto, e inoltre, è identificato dalla ruota con una candela accesa. Al centro c'è Sant'Ulrico, il patrono di Augusta, con in mano il suo simbolo, un pesce. Poiché è al posto d'onore, è stato ipotizzato che questo foglio sia stato commissionato o inteso per essere venduto ad Augusta. Il nome Ulrich non era comune a Norimberga. Questa stampa è spesso considerata come la controparte di un’altra xilografia, raffiguranti i SS. Lorenzo, Sisto e Stefano, sebbene le figure siano più allungate. Alcuni critici hanno anche riconosciuto un concetto spaziale che sembra corrispondere ad alcuni fogli de La Piccola Passione. Di conseguenza, datano questo foglio dopo il ritorno di Dürer dal suo secondo viaggio in Italia, cioè verso il 1508. Ma – osserva Strauss - questa xilografia corrisponde in troppi dettagli ad altre due: il soggetto, lo sfondo, gli uccelli, e inoltre il tipo di carta su cui è stampata, che non la distingue affatto dalle altre cosiddette "modest woodcuts", tutte riferibili agli anni 1503-1505. La forma della tavoletta che porta il monogramma è unica, ma rudimentale. Queste differenze possono essere più propriamente attribuite alla presenza di un'altra mano nella bottega di Dürer che ha modificato il disegno di Dürer in fase di intaglio. Bibliografia Bartsch, 118; Meder, 233 (c/e); Tietze, 398; Panofsky 338; Strauss n. 88. Woodcut, 1505 circa, signed with monogram on tablet lower right. Only state. Impression of Meder variant c/e, with a 5 mm gap in the upper border. Good impression, black, full-bordered, with a 5mm gap in the upper border according the variant c/e described by Meder. Very good condition “St. Nicholaus, on the left, is identified by the bread he is holding, which was brought to him during a famine on the island where he lived by the boat in the background. St. Erasmus, on the right, is carrying his entrails, wound around a reel, and in addition, is identified by the wheel with a burning candle. In the center is St. Ulrich, the patron saint of Augsburg, holding his symbol, a fish. Because he is in the place of honor, it has been surmised that this sheet was commissioned or intended to be sold in Augsburg. The name Ulrich was not common in Nuremberg. This print is often regarded as the counterpart to the preceding one (no. 87), although the figures are longer elongated. Some commentators have also detected a spatial concept that seemingly corresponds to some of the sheets of "The Small Passion' (nos. 106-142). Accordingly, they date this sheet after Dürer's return from his second Italian journey, i.e. c.1508.2 We find that assumption highly speculative. This woodcut corresponds in too many details with at least the two preceding ones: the subject, the background, the birds, and moreover the type of paper that it is printed on, which in no way sets it apart from the other "modest" woodcuts. The shape of the tablet bearing the monogram is unique, yet primitive. These differences can more properly be ascribed to the presence of another hand in Dürer's workshop who modified Dürer's design in preparation for the cutter.” (cf. Strauss, n. 88, p. 296). Literature Bartsch, 118; Meder, 233 (c/e); Tietze, 398; Panofsky 338; Strauss n. 88.
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Anonimo
Il battesimo di Cristo
Copia, nello stesso verso, da un niello attribuito a Maso Finiguerra, appartenuto alla collezione Durazzo, di cui oggi si conosce solo una prova su carta (conservata al Louvre, coll. Rothschild, inv. 137 Ni, in controparte rispetto a questa), tratta probabilmente da un'impronta in zolfo. Il niello originale appartenne alla collezione di Eugène Félix, poi passò ai Durazzo, in seguito nella collezione Figdor di Vienna. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Per l'attribuzione a Maso Finiguerra, contestata da alcuni studiosi, si veda la sintesi in Zucker in The Illustrated Bartch,1993. Copy, on the same verso, of a niello attributed to Maso Finiguerra, owned by Marchese Jacopo Durazzo. Only one paper impression is known (kept at the Louvre, Rothschild collection, inv. 137 Ni, in counterpart to this one), probably pulled not from the silver plaque, but from a lost sulfur cast, as is shown by the thick, dark lines, caused by cracks in the sulfur, that run diagonally across the top of the image, as noted by Hind. The silver plaque owned by Durazzo was sold (Durazzo sale, 1872, n. 2876) to the Eugène Félix collection in Leipzig and later to the collection of Albert Figdor in Vienna. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. For the attribution to Maso Finiguerra, disputed by some scholars, see Zucker in The Illustrated Bartsch, 2401.002.
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Anonimo
Crocifissione con la Madonna e San Giovanni Evangelista
Copia, nello stesso verso, da un niello appartenuto alla collezione Durazzo, oggi non reperito. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. La composizione sembra essere in pendant con un altro niello raffigurante San Giorgio che sconfigge il drago. Copy, on the same verso, from a niello belonged to the Durazzo collection. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution The composition seems to have as pendant the niello depicting St. George and the dragon
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Anonimo
Natività
Copia di un niello appartenuto alla collezione Durazzo, oggi non reperito. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, from a niello belonged to the Durazzo collection, now lost.. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution.
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Anonimo
San Giovanni Battista
Copia, nello stesso verso, da un niello appartenuto alla collezione Durazzo, oggi non reperito. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, from a niello belonged to the Durazzo collection, now lost. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. The composition seems to have as pendant the niello depicting St. George and the dragon
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Anonimo
San Giorgio e il drago
Copia, nello stesso verso, da un niello appartenuto alla collezione Durazzo, oggi non reperito. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy from a niello belonged to the Durazzo collection, now lost. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution.
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DURER Albrecht (Norimberga 1471 - 1528)
Johannes Stabius raffigurato come San Colomanno
Xilografia, 1513, senza monogramma. In una lettera indirizzata a Dürer da Nikolaus Kratzer (1486-155), astronomo di corte del re Enrico VIII d'Inghilterra, Kratzer chiede a Dürer: "Ti prego di mandarmi il ritratto di Stabius, raffigurato come San Kolman, tagliato in legno". La paternità dureriana di questa xilografia non è stata ancora accettata da tutti. Strauss la include tra le xilografie per la forte possibilità che sia basata su un disegno di Dürer, forse frettoloso, e poi tagliata nel blocco senza la sua super visione. Dodgson attribuisce questa stampa a Springinklee, come fa Meder, mentre Schoch afferma che la figura è disegnata troppo bene per essere stata disegnata da Springinklee. L'assenza del suo monogramma non può essere necessariamente interpretata come un'indicazione che Dürer non sia l'autore, perché la xilografia serviva come illustrazione di un foglio accompagnato da un'ode saffica di Stabius, e recante, sopra l’immagine, il seguente testo 'Divo Colomanno martyri sancto: Austrieque patrono/ presentissimo: Joann. Stabius. Au. voti reus. Hoc/ carmen dedicat. Anno dni. etc. M.D.xiij' Dürer conosceva bene Johannes Stabius (morto nel 1522), filosofo e astronomo di corte dell'imperatore Massimiliano. Stabius accompagnò l'imperatore nella sua visita a Norimberga, 3-15 febbraio 1512, ma a quanto pare rimase più a lungo perché il 30 luglio ha preparato un oroscopo a Norimberga per Matthäus von Gurk . Stabius è qui raffigurato nelle vesti di San Colomanno, venerato in Austria. Il santo fu impiccato nel 1020 a Stockerau. Indossa un cappello da pellegrino e tiene nella mano sinistra una frusta intrecciata. I quattro stemmi sono (in senso orario) quelli dell'Impero, dell'Arciducato d'Austria, della Scozia e di Stabius. San Colomanno, secondo la leggenda, era un discendente della famiglia reale scozzese. Magnifica impressione, impressa su carta vergata con filigrane doppia croce e lettere ICP”, in perfetto stato di conservazione. Esemplare nella seconda edizione descritta da Meder e pubblicata da Adam von Bartsch utilizzando la matrice originale conservata all’Albertina di Vienna e datata 1781. Woodcut, 1513, without monogram. In a letter, addressed to Dürer by Nikolaus Kratzer (1486-155), court astronomer to King Henry VIII of England, Kratzer asks Dürer: “I beg you to send me the portrait of Stabius, portrayed as Saint Kolman, cut into wood. "Yet Dürer's authorship of this woodcut has not gained general acceptance Dodgson attributes this print to Springinklee, as does Meder, while Schoch states that the figure is drawn too well to have been designed by Springinklee. Strauss included it among on Dürer’s woodcuts because of the very strong possibility that it is based on a drawing by Dürer, perhaps a hasty one, due to his preoccupation with the master engravings of this period, and then cut into the block without his super vision. The absence of his monogram cannot necessarily be construed as an indication that Dürer was not the author because the woodcut served as illustration of a broadsheet accom panied by a sapphic ode by Stabius, lettered above the woodcut on left sheet: 'Divo Colomanno martyri sancto: Austrieque patrono presentissimo: Joann. Stabius. Au. voti reus. Hoc carmen dedicat. Anno dni. etc. M.D.xiij' Dürer was well acquainted with Johannes Stabius (d. 1522), philosopher, and court astronomer to Emperor Maximilian (see the following woodcuts). Stabius accompanied the emperor on his visit to Nuremberg, 3-15 February 1512, but apparently stayed on for some time because on 30 July he prepared a horoscope at Nuremberg for Matthäus von Gurk. Stabius is pictured here in the guise of St. Coloman, venerated in Austria. The saint was hanged in A.D. 1020 at Stockerau. Wearing a pilgrim's hat, he is holding in his left hand a braided whip. The four coats of arms are (clockwise) those of the Empire, the Archduchy of Austria, Scotland, and of Stabius. St. Coloman, according to legend, was a descendant of the Scottish royal family” (cf. Strauss. p. 483). Example of the second issue described by Meder, printed by Bartsch from the block in the Albertina dated MDCCLXXXI. A fine impression, printed on laid paper with “ICP with Doublecross” watermark, perfect condition. Bartsch, 106; Meder n. 194; TIB 1001.306 (137): Strauss, p. 483-485, n. 169.
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MULLER Jan Harmensz (Amsterdam 1571 - 1628)
Ritratto di Bartholomeus Spranger
Bulino, datato in lastra 1597. Sulla cornice ovale: ‘BARTHOLOMAEUS SPRANGER, S. CAES. M. PICTOR CELEBERRIMUS’. Nel cartiglio in basso: ‘NATURAE OMNIPARENTI / PRAESTANTISSIMI EIUS AEMULI IMAGINEM,/INVIDIA GEMENTE/D D/IOANNES AB ACH.S.ITEM/CAES. M. PICTOR / An o 1597’ Nel margine inferior, al centro ‘In perpetuam amici memoriam Joan Mullerus grato lubentique animo aeri incidebat / F.de Wit excudit’. Ritratto di Bartholomeus Spranger (1546-1611) in cornice ovale, affiancato da due putti con trombe, uno scudo, una lancia e un elmo. Il ritratto ovale è basato su un modello (probabilmente un dipinto) di Hans von Aachen. Entrambi gli artisti dedicano esplicitamente la stampa in amicizia a Spranger. Durante questo periodo Jan Muller diventò il principale incisore dei disegni di Spranger, il famoso pittore di corte di Praga, ed è intorno a questo period che ha produsse dieci incisioni, la maggior parte di un formato abbastanza grande, basati sui disegni del celebre pittore. Spranger inviava i suoi disegni ad Amsterdam e un certo numero di di prove di stampa esistenti rivelano che questi furono inviati a Praga per la correzione. Muller probabilmente non incontrò Spranger fino alla visita di quest'ultimo nei Paesi Bassi nel 1602. Si può supporre che Hans von Aachen (1552 - 1615), un altro pittore alla corte di Praga, abbia inviato il ritratto di Spranger (sia esso dipinto o disegnato) affinché Muller lo utilizzasse come modello per la sua incisione; la cornice, tuttavia, fu disegnata da Muller stesso. Il disegno tracciato da Muller per la cornice, con un disegno inziale per il ritratto attaccato all'interno, è conservato ad Amsterdam ( Rijkprentenkabinet), ed è possibile seguire con precisione la realizzazione della stampa attraverso ogni fase successiva: prima venne inciso il volto nella lastra, poi il resto della figura, dopo di che la cornice e infine la decorazione. Bellissima prova, ricca di toni, impressa su carta vergata coeva, rifilata al rame, in ottimo stato di conservazione. Engraving, dated on plate 1597.On the frame: ‘BARTHOLOMAEUS SPRANGER, S. CAES. M. PICTOR CELEBERRIMUS’ Inscribed on the bottom, on cartouche: ‘NATURAE OMNIPARENTI / PRAESTANTISSIMI EIUS AEMULI IMAGINEM,/INVIDIA GEMENTE/D D/IOANNES AB ACH.S.ITEM/CAES. M. PICTOR / An o 1597’ inscribed on the bottom: ‘In perpetuam amici memoriam Joan Mullerus grato lubentique animo aeri incidebat / F.de Wit excudit’. Bust portrait of Bartholomeus Spranger (1546-1611) in oval frame, flanked by two putti with trumpets, a shield, spear and a helmet. “The oval portrait is based on a model (probably a painting) by Hans von Aachen. Both artists explicitly dedicate the print in friendship to Spranger. During this period Jan Muller had become the chief engraver of the designs by Spranger, the famous court painter of Prague, and it was around now he produced ten engravings, most of a fairly large format, after his designs. Spranger sent his drawn designs to Amsterdam and a number of extant proof impressions reveal that these were sent to Prague for correction. Muller probably did not meet Spranger until the latter’s visit to the Netherlands in 1602. It can be assumed that Hans von Aachen (1552 – 1615), another painter at the Prague court, sent Spranger’s portrait (whether painted or drawn) for Muller to use as a model for his print; the frame, however, was designed by Muller himself. Muller’s traced design for the frame, with the initial design for the portrait engraving attached inside, has been preserved (Amsterdam, Rijkprentenkabinet), and it is possible to follow the making of the print precisely through each successive stage: first the face was engraved in the plate, then the rest of the figure, after which the frame and finally the circumscription were engraved.” F. Kok, Artists Portrayed by Their Friends: Goltzius and His Circle, in Netherlands Quarterly for the History of Art,Vol. 24, pp. 167-168. A fine example printed on contemporary laid paper, trimmed to the platemark, in good condition. Le Blanc, 69; F. Kok, Artists Portrayed by Their Friends: Goltzius and His Circle, in Netherlands Quarterly for the History of Art,Vol. 24, pp. 167-168.
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VELDE II Jan van de (Delft 1593 - Enkhuizen 1641)
Ponte Sisto a Roma (Paesaggio fluviale con una torre e un ponte)
Acquaforte e incisione, 1645, numerata "14" in basso a destra. Dalla serie: Amoenissimae aliquot Regiunculae, et antiquorum momentorum ruinae: a Ioanne Veldio Iuniore delineatae, et per chalcographiam in luck aeditae a Nicolao Ioannis Vischerio anaglijptario. Anno. MDCXV. AMSTELODAMI, composta da diciotto paesaggi con rovine, pubblicato da Claes Jansz. Visscher (II) nel 1615. Sebbene priva di titolo e genericamente descritta dalle bibliografie, la veduta raffigura il Tevere e ponte Sisto a Roma. Si tratta di uno dei numerosi paesaggio con rovine romane che Van de Velde ritrasse durante il suo periodo italiano. Magnifica prova, stampata su carta vergata contemporanea, rifilata vicino alla marca da lettera, in ottime condizioni. Jan van de Velde II proveniva da una famiglia di artisti. Suo padre era un celebre calligrafo e insegnante ed era il nipote di Esaias van de Velde, un importante pittore di paesaggi. Anche Jan si specializzò in paesaggi, ma si fece notare come incisore e disegnatore. I suoi paesaggi incisi erano spesso basati su disegni dalla natura e la sua enfasi sui dettagli naturalistici e sulla composizione semplice influenzò altri artisti tra cui Rembrandt Harmensz. van Rijn. Cresciuto a Rotterdam, Van de Velde si formò come incisore con l'artista Jacob Matham a Haarlem. Nel 1614, si unì alla Gilda di San Luca di Haarlem e iniziò a produrre stampe in serie. In questa fase iniziale della sua carriera, Van de Velde era tra gli artisti più prolifici di Haarlem e aveva prodotto più di cento incisioni di paesaggi entro il 1617 (all'età di ventiquattro anni). Oltre ai paesaggi, Van de Velde creò più di cinquanta ritratti, così come scene di genere, illustrazioni di libri e dipinti. Con il progredire della sua carriera, cominciò a basare la sua produzione incisa sul lavoro di altri artisti, compreso quello di suo cugino Esaias. Lavorò anche come insegnante e suo figlio, Jan Van de Velde III, fu un pittore di nature morte. Etching and engraving, 1645, numbered “14” at bottom right. From the series: Amoenissimae aliquot Regiunculae, et antiquorum momentorum ruinae: a Ioanne Veldio Iuniore delineatae, et per chalcographiam in luck aeditae a Nicolao Ioannis Vischerio anaglijptario. Anno. MDCXV. AMSTELODAMI." consisting of of eighteen landscapes with ruins, published by Claes Jansz. Visscher (II) in 1615. Magnificent proof, printed on contemporary laid paper, trimmed close to platemark, in very good condition. Jan van de Velde II came from an artistic family. His father was a celebrated calligrapher and teacher and he was the nephew of Esaias van de Velde, an important landscape painter. Jan also specialized in landscapes but made his mark as a printmaker and draftsman. His engraved landscapes were often based on drawings from nature and his emphasis on naturalistic detail and simple composition influenced other artists including Rembrandt Harmensz. van Rijn.Raised in Rotterdam, Van de Velde trained as an engraver with the artist Jacob Matham in Haarlem. In 1614, he joined Haarlem's Guild of St. Luke, and began producing prints in series. At this early stage in his career, Van de Velde was among Haarlem's most prolific artists and had produced more than a hundred landscape etchings by 1617 (at the age of twenty-four).In addition to landscapes, Van de Velde created more than fifty portrait prints as well as genre scenes, book illustrations, and paintings. As his career progressed, he began to base his engraved output on the work of other artists including that of his cousin Esaias. He also worked as a teacher and his own son, Jan Van de Velde III, was a still-life painter. Hollstein 194; Franken & van der Kellen (1883), n. 233 p. 104.
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BURGKMAIR "Il Vecchio" Hans (Ausburg 1473 circa - 1531)
Il Re Bianco adora il Manto Sacro di Treviri
Xilografia, 1514 – 1516 circa, fermata col monogramma “H B” sul capitello della Colonna. Della serie Der Weisskunig (Il Re Bianco). Si tratta di una biografia idealizzata di Massimiliano I d’Asburgo (1459 – 1519), con due sezioni iniziali sulla vita dei suoi genitori, e la sua nascita ed educazione, che sono state compilate dal segretario di Massimiliano, Marx Treitzsaurwein, e una terza sezione più lunga che tratta la storia politica del regno di Massimiliano, per la quale l'imperatore stesso era il principale responsabile. A tutti i personaggi vengono dati degli pseudonimi, molti dei quali derivano dalle loro armi araldiche; così, per esempio, Massimiliano è il Giovane Re Bianco, Federico III il Vecchio Re Bianco, e il Re di Francia è il Re Blu. Il testo fu dettato da Massimiliano a Treitzsaurwein ed è sopravvissuto in vari manoscritti nella Österreichische National-bibliothek di Vienna (vedi 'Maximilian I, 1459-1519', exh. cat., Vienna, 1959, pp.26f, con letteratura). Il suo stato confuso si riflette nelle illustrazioni xilografiche che furono eseguite ad Augusta sotto la supervisione di Peutinger. Alcuni soggetti sono stati tagliati due volte, altri sono stati omessi, e alcuni rappresentano soggetti non presenti nel testo, nella misura in cui è stato completato. Su 236 illustrazioni, di cui 223 blocchi sono sopravvissuti (Vienna, Albertina), Burgkmair fu responsabile, secondo Dodgson, del disegno di 121. L'altro disegnatore principale fu Leonhard Beck; Hans Springinklee e Hans Schäufelein contribuirono con alcuni disegni al progetto. I blocchi furono intagliati tra il 1514 e il 1516 da un gruppo di xilografi supervisionati da Jost de Negker, e alcune serie di prove contemporanee sono sopravvissute, le più importanti delle quali sono a Vienna, Stoccarda e precedentemente nella collezione Liechtenstein, ora a Boston (vedi Musper, pp. 102ff). Nel 1526 il nipote di Massimiliano, l'arciduca Ferdinando, commissionò a Treitzsaurwein di completare e pubblicare 'Der Weisskunig', ma questo progetto rimase incompiuto a causa della morte di Treitzsaurwein nel 1527. Fu solo nel 1775, dopo che i blocchi furono trovati a Graz, che fu pubblicato in forma di libro da Hoffstätter a Vienna. Bella prova, in ottimo stato di conservazione. Quando l'imperatore Massimiliano I si recò a Treviri in occasione della riunione del parlamento del regno del 1512, chiese di vedere la Sacra Tunica. L’arcivescovo Richard von Greiffenklau fece aprire l’altare, alla presenza non solo dell’Imperatore, ma anche dei numerosi principi e prelati recatisi alla città per l’assise parlamentare. Fu celebrata una Santa Messa in memoria della defunta consorte di Massimiliano I. Woodcut, 1514-1516 circa, signed with monogram H B on the upper column, From the series Der Weisskunig (the White King); It is an idealised biography of Maximilian, with two early sections on the life of his parents, and his birth and education, which were compiled by Maximilian's secretary, Marx Treitzsaurwein, and a longer third section dealing with the political history of Maximilian's reign, for which the Emperor himself was primarily responsible. All the characters are given pseudonyms, many of which are derived from their heraldic arms; thus for example, Maximilian is the Young White King, Frederick III the Old White King, and the King of France is the Blue King. The text was dictated by Maximilian to Treitzsaurwein and has survived in various manuscripts in the Österreichische National-bibliothek in Vienna (see 'Maximilian I, 1459-1519', exh. cat., Vienna, 1959, pp.26f, with literature). Its confused state is reflected in the woodcut illustrations which were carried out at Augsburg under Peutinger's supervision. Some subjects were cut twice, others were omitted, and some represent subjects not in the text, as far as it was completed. Out of 236 illustrations, of which 223 of the blocks have survived (Vienna, Albertina), Burgkmair was responsible, according to Dodgson, for the design of 121. The other main designer was Leonhard Beck; Hans Springinklee and Hans Schäufelein contributed a few designs each to the project (see 1837,0616.308). The blocks were cut between 1514 and 1516 by a group of cutters supervised by Jost de Negker, and a few contemporary sets of proofs have survived, the most important of which are in Vienna, Stuttgart and formerly in the Liechtenstein collection, now in Boston (see Musper, pp. 102ff). In 1526 Maximilian's grandson, the Archduke Ferdinand, commissioned Treitzsaurwein to complete and publish 'Der Weisskunig', but this plan was frustrated by Treitzsaurwein's death in 1527. It was not until 1775, after the blocks had been found at Graz, that it was published in book form by Hoffstätter in Vienna. There are ninety proof impressions of the series in the British Museum which would have been taken while work on the blocks was in progress during the life of Maximilian. Good example, printed on contemporary laid paper, very good condition. When Emperor Maximilian I came to Treves for the Imperial Diet in 1512, he asked to see Holy Coat which was kept in the Cathedral. Archbishop Richard von Greiffenklau arranged the opening of the altar that had enshrined the tunic since the building of the Dome and exhibited it. The people of Treves heard about that and demanded to see the Holy Coat. Hollstein V.117.448; Bartsch VII.224.80-35; Dodgson II.93.58.
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Descourtis Charles-Melchior (Parigi 1753 – 1820)
L’Amant Surpris
Acquaforte e acquatinta stampata con inchiostri blu, rosso, giallo e nero. Nel margine inferiore, sotto l'immagine, a sinistra: Schall pinx. a destra: Descourtis sculp. Questa stampa a colori meticolosamente realizzata riproduce un dipinto a olio di Jean-Frédéric Schall, un artista meglio conosciuto per le sue scene pastorali e vagamente erotiche. Durante la Rivoluzione francese (1789-99), il mercato delle stampe a colori di lusso declinò, poiché i soggetti stuzzicanti e i segni del lusso erano considerati immorali. Quando gli atteggiamenti si rilassarono intorno al 1800, stampatori come Descourtis realizzarono alcune stampe a colori usando matrici multiple per stratificare inchiostri colorati come avevano fatto prima della Rivoluzione. Descurtis era allievo di Jean-Francois Janinet, che è considerato dalla critica artistica uno dei più importanti incisori a colori francesi e si mise in evidenza per le sue innovazioni tecniche, quali l'acquatinta in quadricromia, oltreché per lo stile caratterizzato dall'intensità dei colori Tuttavia, questo processo lungo e costoso fu presto sostituito dalla colorazione a mano che i lavoratori potevano realizzare più facilmente ed economicamente. Esemplare in ottimo stato di conservazione. Wash manner etching and engraving printed in blue, red, yellow, and black inks. In lower margin, beneath the image, at left: Schall pinx. at right: Descourtis sculp. A young woman surprises her sweetheart, whom she has found reading love letters in a wooded park. The love-struck fellow carries a miniature portrait of her as a keepsake. Verdant foliage, a nearby brook, and a blooming rosebush signal fertility and the bounty of life. The nude female statue sitting on a pedestal seems to watch the playful lovers. This meticulously crafted color print reproduces an oil painting by Jean-Frédéric Schall, an artist best known for his pastoral and mildly erotic scenes. During the French Revolution (1789–99), the market for deluxe color prints declined, as titillating subjects and signs of luxury were considered immoral. When attitudes relaxed around 1800, printmakers like Descourtis made a few color prints using multiple plates to layer tinted inks as they had before the Revolution. Descourtis learned his method of multiple-plate color printing from Jean Frarnçois Janinet and like him used toolwork on the plate rather than aquatint, an acid immersion process used to create general areas of shading. However, this time-consuming and expensive process was soon replaced by hand coloring that workers could more cheaply and easily accomplish. Very good example. Portalis/Béraldi 3; Model/Springer p. 50, plate 20.
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Descourtis Charles-Melchior (Parigi 1753 – 1820)
Les Espiegles
Acquaforte e acquatinta stampata con inchiostri blu, rosso, giallo e nero. Nel margine inferiore, sotto l'immagine, a sinistra: Schall px. a destra: Descourtis st. Due donne nude sedute in riva a un fiume, impegnate a leggere una lettera, mentre due giovani uomini nascosti nelle rocce dietro cercano di rubare i loro vestiti con una canna da pesca. Questa stampa a colori meticolosamente realizzata riproduce un dipinto a olio di Jean-Frédéric Schall, un artista meglio conosciuto per le sue scene pastorali e vagamente erotiche. Durante la Rivoluzione francese (1789-99), il mercato delle stampe a colori di lusso declinò, poiché i soggetti stuzzicanti e i segni del lusso erano considerati immorali. Quando gli atteggiamenti si rilassarono intorno al 1800, stampatori come Descourtis realizzarono alcune stampe a colori usando piastre multiple per stratificare inchiostri colorati come avevano fatto prima della Rivoluzione. Descurtis era allievo di Jean-Francois Janinet, che è considerato dalla critica artistica uno dei più importanti incisori a colori francesi e si mise in evidenza per le sue innovazioni tecniche, quali l'acquatinta in quadricromia, oltreché per lo stile caratterizzato dall'intensità dei colori Tuttavia, questo processo lungo e costoso fu presto sostituito dalla colorazione a mano che i lavoratori potevano realizzare più facilmente ed economicamente. Esemplare in ottimo stato di conservazione. Wash manner etching and engraving printed in blue, red, yellow, and black inks. In lower margin, beneath the image, at left: Schall p.x at right: Descourtis s.t Two naked woman sitting by a river and busy reading a letter, while two young men hidden in the rocks behind are trying to steal their clothes with a fishing rod. This meticulously crafted color print reproduces an oil painting by Jean-Frédéric Schall, an artist best known for his pastoral and mildly erotic scenes.During the French Revolution (1789–99), the market for deluxe color prints declined, as titillating subjects and signs of luxury were considered immoral. When attitudes relaxed around 1800, printmakers like Descourtis made a few color prints using multiple plates to layer tinted inks as they had before the Revolution. Descourtis learned his method of multiple-plate color printing from Jean Frarnçois Janinet and like him used toolwork on the plate rather than aquatint, an acid immersion process used to create general areas of shading. However, this time-consuming and expensive process was soon replaced by hand coloring that workers could more cheaply and easily accomplish. Very good example. Portalis & Béraldi 3; Model/Springer p. 50, plate 20.
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LONDERSEEL Jan van (Anversa circa 1570 – Rotterdam 1624/25)
Paesaggio boscoso con Betsabea che riceve la lettera di Davide
Bulino, circa 1614, in basso a sinistra: David Vinckboons Inventor in basso a destra: Joan londerseel Schulptor /ICVisscher excudebat. Nel margine inferiore, tra le due firme, versi in latino dal Secondo libro di Samuele (11, 1), dove è narrata la vicenda di Betsabea e il re Davide. Da un soggetto di David Vinckboons, edito da Claes Visscher. In un giardino, Betsabea riceve la lettera di Davide presso una fontana. In lontananza un castello, in primo piano uno stagno e vari animali ai margini del bosco. Magnifica prova, finemente acquerellata da mano contemporanea, impressa su carta vergata coeva, in eccellente stato di conservazione. L’eccelsa qualità della coloritura a mano distingue e impreziosisce questo esemplare dalle prove in bianco e nero. Engraving, circa 1614, signed lower left: David Vinckboons Inventor Lower right: Joan londerseel Schulptor /IC (entwined) Visscher excudebat. In the lower margin, Latin verses related to the second book of Samuel, where the story of Bathsheba and King David is narrated. After a subject by David Vinckboons. Claes Visscher as publisher. In a richly landscaped castle garden, Bathsheba receives David's letter by a fountain. In the distance a castle, in the foreground a pond and various animals near the forest edge. Magnificent proof, splendid contemporary hand-colouring, printed on contemporary laid paper, with margins, usual trace of central vertical fold, in very good condition. The excellent quality of the colouring significantly distinguishes and enhances these examples from those in black and white. Hollstein Dutch 6_; Hollstein Dutch 7-3(3).
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GANDOLFI Gaetano (Bologna 1734 – 1802)
Testa di donna di profilo volta a destra
Acquaforte, 1770-1780 circa. In basso a destra, nel margine, nota manoscritta “G. Gandolfi f.”. Magnifico esemplare, impresso su carta vergata coeva, sottili margini, in ottimo stato di conservazione. L'acquaforte appare anche insieme ad altre sei stampe di Gandolfi, due delle quali firmate, in un unico grande foglio; esemplari si trovano alla Pinacoteca Nazionale di Bologna e in una collezione privata. Gaetano Gandolfi è un’importante ed eclettica figura del ‘700 bolognese. Pittore e abilissimo disegnatore, si dedicò con successo anche all’attività incisoria. Come concordemente ricordano i biografi, nel disegno, sin dalla giovinezza, era solito definire progressivamente la giustezza dell'intuizione. Sono decine e decine gli schizzi, i disegni del Gandolfi nei musei o nelle collezioni private di tutto il mondo; oggetto di collezionismo sin dal Settecento sono il mezzo sicuro per conoscere lo sviluppo del suo pensiero, l'evoluzione dello stile che influenzerà, sino a metà del secolo successivo, la scuola bolognese. Etching, 1770-178 circa. Beneath the image, on the right, hadwritten note “G. Gandolfi f.” Excellent example, printed on contemporary laid paper, thin margin, in perfect condition. The etching also appears along with six other prints by Gandolfi, two of them signed, in a single large sheet; examples are in the Pinacoteca Nazionale in Bologna and in a private collection. Gaetano Gandolfi was an important and eclectic figure of 18th-century Bologna. He was a painter and a very skilful draughtsman, but also devoted himself successfully to engraving. As his biographers agree, from an early age he used to progressively define the rightness of his intuition in drawing. Dozens and dozens of Gandolfi's sketches and drawings are to be found in museums and private collections all over the world. Since the 18th century, they have been collectors' items and are a sure way of learning about the development of his thought and the evolution of the style that was to influence the Bolognese school until the middle of the following century. Donatella Biagi Maino et al, “Idea Prima”: Disegni e modelli preparatori, pittura di tocco dal ‘500 al ‘700, exhibition catalogue, Bologna, 1996, pp.112-115; De Vesme, 19. Gozzi, 10.
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Locatelli Giovan Battista
La Pietà o Cristo di Caprarola
Acquaforte, fine del XVIII secolo, nel margine inferiore, un’iscrizione su due righe, non chiaramente leggibile: “Joanni Baptistae Locatelli sculpori Egreggio Quas es Augustino Caraccia .... Primitias suas Verae Amicitiae in ...gum D D Lomazzi ?” Bell’esemplare, impresso su carta azzurra, rifilato alla linea marginale, in ottimo stato di conservazione. Copia, in controparte, di un’incisione di Agostino Carracci (1598) a sua volta basata sull'acquaforte di Annibale Carracci del 1597. Sconosciuta a De Grazia, non abbiamo trovato alcun riscontro bibliografico. Etching, 1790’ circa, in lower margin an inscription on two lines, not clearly readable: “Joanni Baptistae Locatelli sculpori Egreggio Quas es Augustino Caraccia .... Primitias suas Verae Amicitiae in ...gum D D Lomazzi ???” Beautiful example, printed on blue paper, trimmed at the marginal line, in excellent condition. Copy, in reverse, of an Agostino Carracci’ engraving (1598) based on the original etching by Annibale Carracci.. Unknown to De Grazia, we have not found any bibliographical reference. Non descritta.
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MANGLARD Adriaen (Lyon, 1695; Roma, 1760)
Battaglia navale
Acquaforte e bulino, 1753, nel margine inferior a sinistra: Adr. Manglard fecit Romae La data 1753 che seguiva la firma è abrasa. Bell’esemplare, ricco di toni, rifilato alla linea del rame, in ottimo stato di conservazione. Adrien Manglard (1695-1760) nativo di Lione, visse a lungo a Roma dove si distinse come pittore e incisore di marine. Etching and engraving, 1753, signed at lower left, beneath the image Adr. Manglard fecit Romae The date 1753, at the end on the inscription is abraded. Magnificent example, printed on contemporary paper, trimmed close to platemark, in good condition. Robert-Dumesnil, Le peintre-graveur français, ou catalogue raisonné des estampes gravées par les peintres et les dessinateurs de l'école française : ouvrage faisant suite au peintre-graveur de Bartsch, cat.nr. 27.
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ZUCCARELLI Francesco (Pitigliano 1702 - Firenze 1788)
Figura femminile in piedi che cammina a sinistra tenendo una lampada
Acquaforte, firmata e datata nel margine inferiore: Fran Zuccherelli Pitilianen incid. Flo. 1728. Da un disegno di Giovanni Manozzi. La stampa mostra una figura femminile in piedi che cammina verso sinistra tenendo una lampada, indicando con la mano destra. Bell’esemplare, stampato su carta vergata coeva, rifilato in prossimità della linea marginale, privo del testo contenuto nel margine inferiore. Francesco Zuccarelli studiò a Firenze nella bottega di Paolo Anesi ed in seguito si trasferì a Roma presso i pittori Giovanni Maria Morandi e Pietro Nelli. Fu inizialmente un pittore di soggetti storici ispirato dalla conoscenza della pittura di Claude Lorrain, pittore francese del Seicento vissuto a Roma che fu maestro di questo genere insieme al connazionale, ma più scenografico, Nicolas Poussin. Trasferitosi a Venezia, Zuccarelli, si rivolse alla pittura di soggetto arcadico, che coltivò in concorrenza col bellunese Giuseppe Zais. Come successe ad altri pittori veneti suoi contemporanei, quali Canaletto e Bernardo Bellotto, la sua pittura fu molto apprezzata all'estero dove fu chiamato a dipingere per ricchi mecenati come ad esempio il celebre Console Joseph Smith. Zuccarelli lavorò molto in Inghilterra dove influenzò importanti pittori locali in maniera particolare il suo stile fu ripreso dal grande Joshua Reynolds. Dopo cinque anni di permanenza a Londra, Zuccarelli ritornò a Venezia. Di nuovo a Londra nel 1765, fu uno dei fondatori della Royal Academy of Arts nel 1768. Etching, signed and dated lower margin: Fran Zuccherelli Pitilianen incid. Flo. 1728. After a drawing by Giovanni Manozzi. The print shows a standing female figure walking to the left holding a lamp, pointing with right hand. Good example, printed on contemporary laid paper, trimmed close to the marginal line, in perfect condition. Cut off the inscription in the lower margin. Francesco Zuccarelli studied in Florence in Paolo Anesi's workshop and later moved to Rome with the painters Giovanni Maria Morandi and Pietro Nelli. He was initially a painter of historical subjects inspired by his knowledge of the painting of Claude Lorrain, a 17th-century French painter who lived in Rome and who was a master of this genre together with his compatriot, but more scenic, Nicolas Poussin. After moving to Venice, Zuccarelli turned to painting Arcadian subjects, which he cultivated in competition with Giuseppe Zais from Belluno. As with other Venetian painters of his time, such as Canaletto and Bernardo Bellotto, his painting was much appreciated abroad where he was called to paint for wealthy patrons such as the famous Consul Joseph Smith. Zuccarelli worked extensively in England where he influenced important local painters, and in particular his style was taken up by the great Joshua Reynolds. After five years in London, Zuccarelli returned to Venice. Back in London in 1765, he was one of the founders of the Royal Academy of Arts in 1768. Massar - The prints of Francesco Zuccarelli (3.I) in Print Quarterly (XV) (3) (pp. 247-263).
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DE CAROLIS Adolfo (Montefiore dell’Aso 1874 – Roma 1928)
La sera, ritorno dalla pesca
Xilografia a due legni, 1908, priva di firma. Impressione eccellente su carta avorio liscia. Ottimo stato di conservazione. Ampi margini oltre la linea marginale. Nel primo decennio del 1900, De Carolis dedica molta attenzione alla rievocazione di temi popolari, legati in particolare alle raffigurazioni di marine, così come testimonia questa stampa. L'utilizzo di più colori e quindi di un numero maggiore di legni ben si adatta alla vivacità di questi soggetti. Dopo l'adesione nel '96 al gruppo romano In arte libertas, creato dal paesista Nino Costa, dal 1901 insegna ornato in accademia nella Firenze dei maestri del Rinascimento, del "terribile" Michelangelo, del Böcklin dell'Isola dei morti. Comincia ad ornare libri per D'Annunzio e Pascoli e dal 1903 elabora fregi e d articoli per la rivista "Leonardo" fondata con Papini e Prezzolini. Fra le rigogliose figurazioni per la Francesca da Rimini (1902), le rusticane de La figlia di Iorio (1904), le lapidarie del Notturno del "Vate" (1917-21), le stampe marinaresche esprimono un'autonoma poetica. Il varo, L'argano, Il timone, La foce, Le arche - xilografie eseguite fra il 1904 e il 1908, mentre in Europa esplodono primi fenomeni d'avanguardia - denotano un lirismo contemplativo invischiato nel ristagno simbolista che connota la situazione italiana all'avvio del secolo. Ma al di là dei convenzionali significati latenti, quelli manifesti aprono - pur aderendo al fervore estetico del giapponismo fin-de-siècle - un discorso etnografico che si fa via via più urgente, teso a documentare l'irripetibile patrimonio che la "novella civiltà livellatrice" viene annientando. L'appello del 1920 (L'arte popolare, in "La Fionda", Roma) riscuote entusiastiche risposte, stimolando una sensibilità che nel 1923 porta all'istituzione del Regio Museo di etnografia italiana, dal 1956 Museo Nazionale delle Arti e Tradizioni popolari. Woodcut printed from two blocks. Excellent impression, printed on ivory paper, wide margins, good condition. De Carolis was an artistic polymath, working as a painter (in particular of murals), interior designer, decorator, xylographer (wood engraver), illustrator and photographer, and is probably the best known exponent of Art Nouveau in Italy. His talent and originality was quickly recognised by two of the greatest Italian writers and poets of the day, Gabriele D'Annunzio and Giovanni Pascoli, and he became their preferred illustrator. Among his most popular works were many illustrations for Gabriele d'Annunzio's novels (Il Notturno, La figlia di Jorio) and Giovanni Pascoli‘s books of poems. In the first decade of the 1900s, De Carolis devoted a great deal of attention to the evocation of popular themes, linked in particular to representations of seascapes, as this print testifies. The use of more colors and therefore a greater number of woods is well suited to the liveliness of these subjects. After joining in '96 the Roman group In arte libertas, created by the landscape painter Nino Costa, from 1901 he taught ornament in the academy in Florence of the Renaissance masters, of the "terrible" Michelangelo, of Böcklin of the Isle of the Dead. He began to decorate books for D'Annunzio and Pascoli and since 1903 elaborates friezes and articles for the magazine "Leonardo" founded with Papini and Prezzolini. Among the luxuriant figurations for the Francesca da Rimini (1902), the rusticane of The daughter of Iorio (1904), the lapidarie of the Nocturne of the "Vate" (1917-21), the prints marinaresche express an autonomous poetic. Il varo, L'argano, Il timone, La foce, Le arche - woodcuts made between 1904 and 1908, while the first avant-garde phenomena were exploding in Europe - denote a contemplative lyricism caught up in the symbolist stagnation that characterized the Italian situation at the beginning of the century. But beyond the conventional latent meanings, the manifest ones open - while adhering to the aesthetic fervor of Japanism fin-de-siècle - an ethnographic discourse that becomes more and more urgent, aimed at documenting the unique heritage that the "new leveling civilization" is annihilating. The appeal of 1920 (L'arte popolare, in "La Fionda", Rome) received an enthusiastic response, stimulating a sensitivity that in 1923 led to the establishment of the Royal Museum of Italian Ethnography, since 1956 the National Museum of Popular Arts and Traditions.
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Anonimo
La ruota della fortuna
Copia di un niello già conservato nella collezione Durazzo (n. 2854), di cui una impressione originale è a Berlino, Staatliche Museen. Sui cartigli, in senso orario da sinistra, al contrario: REGNABO, REGNA, REGNATEM. Questo bel lavoro, delicatamente inciso, è caratteristico delle stampe a niello per le sue dimensioni ridotte, la sua forma circolare e la sua iscrizione al contrario, ma non è caratteristico per il suo sfondo bianco e non ombreggiato. Tecnicamente, sembra risalire alla fine del XV o all'inizio del XVI secolo. Il soggetto era comune in tutta l'arte europea dall'alto medioevo in poi ed è spesso accompagnato da varianti delle iscrizioni sopra citate, ciascuna associata a una figura diversa posta a intervalli regolari intorno alla ruota della fortuna. In questa immagine, la ruota è fatta girare da una corda, attaccata a una manovella nel centro e tirata da una mano che emerge dal cielo in alto a destra. La mano sembra emergere da, o passare attraverso, un'aureola inscritta con una croce. La mano, quindi, deve essere la mano di Dio, che determina il destino dell'uomo spingendo la Ruota della Fortuna. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminusine ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2854), now in Berlin, Staatliche Museen. On the scrolls, clockwise from the left, in reverse: REGNABO, REGNA, REGNATEM. This fine, delicately engraved work is characteristic of niello prints in its diminutive size, its circular shape, and its inscription in reverse, but uncharacteristic in its white, unshaded background. Technically, it appears to date from the late fifteenth or early sixteenth century. The subject was common throughout European art from the high middle ages onward and is often accompanied by variants of the inscriptions quoted above, each one associated with a different figure placed at regular intervals around Fortune’s wheel. In this image, the wheel is turned by a rope, attached to a crank in the center and pulled by a hand emerging from the sky at the upper right. The hand appears to emerge from, or pass through, a halo inscribed with a cross. The hand, therefore, must be the hand of God, who determines man’s fate by propelling the Wheel of Fortune. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. For the attribution to Maso Finiguerra, disputed by some scholars, see the summary in Zucker in The Illustrated Bartch,1993. TIB 2401.011; Duchesne, pp. 259-60, n. 312; Zanetti, p. 107, n. 151
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Anonimo
Busti, di profilo, di un giovane uomo e di una giovane donna
Copia di un niello già conservato nella collezione Durazzo (n. 2869), di cui sopravvivono due impronte originali (Gabinetto Rothschild al Louvre; British Museum, Londra). L'opera può essere datata alla fine del XV secolo e attribuita con una certa sicurezza alla scuola bolognese. Il giovane uomo e la donna sono probabilmente ritratti di persone reali, una coppia di fidanzati o sposati da poco. La loro disposizione, uno di fronte all'altro di profilo, è conforme alla pratica convenzionale del Quattrocento per i ritratti in pendant di mariti e mogli. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2869), of which two original impression survives (Cabinet Rothschild at the Louvre; British Museum, London). The work may be dated to the end of the fifteenth century and attributed with some confidence to the Bolognese school. The young man and woman are probably portraits of actual people, a betrothed or recently married couple. Their arrangement, facing each another in profile, conforms to conventional quattrocento practise for pendant portraits of husbands and wives. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.019; Duchesne, p. 271 n. 337; Zanetti pp. 99-100 n. 128
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Anonimo
Ufficiale romano che si rivolge ai suoi soldati (adlocutio)
Copia di un niello della collezione Durazzo, di cui una impressione originale è ora nella collezione Cabinet Rothschild al Louvre. Si tratta probabilmente di un niello della fine del Quattrocento o dell'inizio del Cinquecento bolognese, e si avvicina nello stile alle stampe a niello di Peregrino da Cesena. Il soggetto e la composizione sono derivati, o forse direttamente copiati, da una scena di adlocutio su una moneta romana. Anche alcuni rilievi monumentali romani offrono vari punti di paragone, come alcuni dei rilievi antoniniani sull'Arco di Costantino. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminusine ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print from the Durazzo Collection, (n. 3009), the original impression of which is now in the Cabinet Rothschild at the Louvre. This is probably late fifteenth- or early sixteenth-century Bolognese, and is close in style to the niello-manner prints of Peregrino da Cesena. The subject and composition are derived, or perhaps directly copied, from an adlocutio scene on a Roman coin. Certain monumental Roman reliefs also offer various points for comparison, such as several of the Antonine reliefs on the Arch of Costantine. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.24; Duchesne, p. 238 n. 265; Zanetti, p. 105 n. 145
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Anonimo
Un leone che attacca un uomo
Copia, di un niello già conservato nella collezione Durazzo (n. 2903), di cui una impressione originale è a Parigi, Collection Dutuit, Musée du Petit Palais. L'impronta originale è marcata distintamente a sinistra da una coppia di fori di chiodi o rivetti al centro di ornamenti a rosetta. È un bell'esempio caratteristico di un artigianato fiorentino del terzo quarto del XV secolo, e fa parte del cosiddetto "gruppo Finiguerra" di stampe a niello. Ma è incerto se sia dello stesso Maso Finiguerra o di un altro niellista fiorentino del periodo. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2903), now in Paris, Collection Dutuit, Musée du Petit Palais. The original impression is distinctively marked at the left by a pair of nail or rivet holes in the center of rosette-like ornaments. It is a fine, characteristic example of a Fiorentine craftsmanship of the third quarter of the fifteenth century, and part of the so-called “Finiguerra group” of niello prints. But whether it is by Maso Finiguerra himself or another Fiorentine niellist of the period is uncertain. It may actually be based on a more elaborate design from the Finiguerra (or Pollaiuolo?) circle, The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.26; Duchesne, p. 246 n. 283; Zanetti, p. 105 n. 146
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Anonimo
Due busti di soldati entro nicchie
Copia di un niello della collezione Durazzo, di cui una impressione originale è ora nella collezione Cabinet Rothschild al Louvre. Questa composizione raffigura una coppia di guerrieri pseudo-classici, faccia a faccia e con elmi stravagantemente fantasiosi di un tipo visto in un gruppo di stampe niello correlate. Come la maggior parte di questi disegni, la stampa originale è probabilmente fiorentina e databile alla fine del XV secolo. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print from the Durazzo Collection, (n. 3009) the original of which is now in the Cabinet Rothschild at the Louvre. This piece depicts a pair of pseudo-classical warriors, face to face and wearing extravagantly fanciful helmets of a tyoe seen in a group of related niello prints. Like most of these design, the original print is probably Florentine and datable to the late fifteenth century. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the termus ante quem for the execution. For the attribution to Maso Finiguerra, disputed by some scholars, see the summary in Zucker in The Illustrated Bartch,1993. TIB 2401.020; Duchesne, pp. 271-272; Zanetti, p. 105, n. 144
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Anonimo
Pannello ornamentale con una satiressa che allatta due bambini
Firmato su una tavoletta in alto al centro: P. Iscritto su ciascuna delle due tavolette che fiancheggiano la figura in basso al centro: SCOF. Copia di un niello della collezione Durazzo, il cui originale si trova ora nella collezione Cabinet Rothschild al Louvre. L'opera è caratteristica delle stampe a niello di Peregrino da Cesena e paragonabile nello stile ad un certo numero di altri pannelli ornamentali monogrammati. La stampa include il monogramma di Peregrino nella sua forma più semplice e situato all'interno della composizione stessa. Include anche l'enigmatica iscrizione SCOF. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Signed on a tablet at upper center: P. Inscribed on each o two tablet flanking the figure at lower center: SCOF. Copy of a niello print from the Durazzo Collection, the original of which is now in the Cabinet Rothschild at the Louvre. The work is characyeristic of Peregrino da Cesena’s niello – manner prints and comparable in style to a number of other monogrammed ornamental panel. The print includes Peregrino’s monogram in its simplest form and located within the composition itself. It also includes the enigmatic inscription SCOF. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.030 e 2503.009
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Anonimo
La pietà
Copia di un niello della collezione Durazzo, di cui una impressione originale è nella collezione del Cabinet Rothschild al Louvre. La composizione corrisponde, al contrario, ad un dipinto di Filippino Lippi del 1490-95 circa, probabilmente il pannello centrale di una predella, nella collezione Kress al National of Art, Washington, così come al cartone di Filippino per lo stesso, punzonato per il trasferimento, nel Allen Memoril Art Museum, Oberlin. Anche se Blum ha attribuito questa stampa al nord Italia, deve essere fiorentina e databile alla fine del XV secolo. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, on the same verso, of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2903), now in Paris, Louvre, Cabinet Rothschild collection. The composition corresponds, in reverse, to a painting by Filippino Lippi of ca. 1490-95, probably the middle panel of a predella, in the Kress Collection at the National of Art, Washington, as well as to Filippino’s cartoon for the same, pricked for transfer, in the Allen Memoril Art Museum, Oberlin. Although Blum has attributed this print to northern Italy, it must be Florentine and datable to the end of the fifteenth century. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.005; Duchesne, pp. 172-173; Zanetti, p. 104.
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Anonimo
Giovane donna bendata che cammina
Sul nastro, al contrario: VA˙INLA˙CA...NEVA Copia, nello stesso verso, di un niello della collezione Durazzo (n. 2834), di cui una impressione originale è ora a Parigi, Louvre, collezione Cabinet Rothschild. Questa stampa può essere approssimativamente assegnata all'Italia settentrionale, e in particolare a Bologna. Zanetti e Dutuit ritengono che il dialetto dell'iscrizione sia quello di Venezia e, di conseguenza, attribuiscono l'opera alla scuola veneziana. Le parole Va inla caneva sono probabilmente emiliane invece. Il soggetto è enigmatico. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. On the scroll, in reverse: VA˙INLA˙CA…NEVA Copy, on the same verso, of a niello print formerly kept in the Durazzo collection (n. 2834), now in Paris, Louvre, Cabinet Rothschild collection. This print can be tentatively assigned to northern Italy, and specifically to Bologna. Zanetti and Dutuit believed the dialect of the inscription to be that of Venice and accordingly attributed the piece to the Venetian school. The words Va inla caneva are probably Emilian instead of, or in addition to, being Venetian. The subject is enigmatic. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.021; Duchesne, p. 266, n. 326; Zanetti, pp. 102-103.
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Anonimo
Busto di donna
Copia di un niello della ex collezione Durazzo, (n. 3860) L'immagine esiste anche in almeno altre tre varianti: un disegno lombardo ( ?) agli Uffizi ( inv . no . 209F), falsamente inscritto come un ritratto di Beatrice d'Este di Leonardo; un dipinto nel Metro politan Museum of Art con un monogramma di Dürer falsificato (il dipinto potrebbe essere esso stesso un falso) e la data 1506; e un'incisione precedentemente attribuita a Zoan Andrea ( vedi TIB 2509.026 ), apparentemente un artista fittizio ora identificato con Giovanni Antonio da Brescia ( TIB 2511 ) . Sebbene Dutuit e Blum abbiano chiamato l'opera veneziana, la composizione è chiaramente lombarda, e la stampa fu probabilmente prodotta a Milano alla fine del XV o all'inizio del XVI secolo. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print from the Durazzo Collection (n. 2860) The image also exists in at least three other variants : a Lombard ( ? ) drawing in the Uffizi ( inv . no . 209F ) , falsely inscribed as a portrait of Beatrice d'Este by Leonardo ; a painting in the Metro politan Museum of Art with a forged Dürer monogram ( the painting may itself be a forgery ) and the date 1506 ; and an engraving formerly attributed to Zoan Andrea ( see TIB 2509.026 ) , apparently a fictitious artist now identified with Giovanni Antonio da Brescia ( TIB 2511 ) . Although Dutuit and Blum called the work Venetian , the composition is clearly Lombard , and the print was probably produced in Milan at the end of the fifteenth or the beginning of the sixteenth century . The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.017; Duchesne, pp. 275-76, n. 347; Zanetti, p. 102, n. 136.
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Anonimo
Un Re seduto
Secondo Dutuit, la copia descritta da Bartsch, Duchesne e Zanetti, non è stato basata su un'impressione a stampa ma, piuttosto, su una placca d'argento originale appartenuta a Durazzo (n. 2824), la cui attuale locazione è sconosciuto. Gli autori del XIX secolo la descrivono come un re o un imperatore barbuto e dai capelli lunghi, con una corona, seduto di profilo con le braccia aperte. Secondo Zanetti e Dutuit, la placca era fiorentina. I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il termine ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print from the Durazzo Collection Dutuit noted that, unknown to Bartsch, Duchesne, and Zanetti, the facsimile they recorded was not copied from a paper impression but, rather, from an original silver plaque that belonged to Durazzo (n. 2824), repositary of which is unknown. Ninteenth-century authors described ita s representing a bearded, long-haired king or emperor, wearing a crown and seated in profile with open arms. According to Zanetti and Dutuit, the plauqe was Florentine. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.023; Duchesne, p. 268, n. 330; Zanetti, p. 100, n. 129
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Anonimo
La Vergine col Bambino e due Santi
Copia di un niello della collezione Durazzo. Secondo Dutuit , il facsimile registrato da Bartsch , Duchesne , e Zanetti non corrisponde a nessuna delle impressioni su carta nella vendita Durazzo del 1872. Dutuit ha ipotizzato che abbiano visto un facsimile copiato da una placca d'argento descritta da Passavant (vol. 1, p. 272, n. 10; anche Dutuit, p. 46, n. 187). Questo medaglione ovale era il n. 2827 del catalogo della vendita Durazzo. Si suppone che il soggetto sia la Madonna col Bambino in trono affiancata da un vescovo santo (con una croce?) e un altro santo (un cardinale o un monaco che porta un libro?). I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, a Venezia - come specificato anche dal Malaspina nel suo catalogo del 1824 - costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il termine ante quem per l'esecuzione. Copy of a niello print from the Durazzo Collection. According to Dutuit , the facsimile recorded by Bartsch , Duchesne , and Zanetti does not correspond with any of the paper impressions in the Durazzo sale of 1872. Dutuit speculated that they had seen a facsimile copied from a silver plaque described by Passavant ( vol . 1 , p . 272 , no . 10 ; also Dutuit , p . 46 , no . 187 ) . This oval medallion , measuring 52 x 39 mm , was no . 2827 in the Durazzo sale catalogue . Supposedly , the subject was the Madonna and Child enthroned and flanked by a bishop saint ( with a cross ? ) and another saint ( a cardinal or a monk carrying a book ? ) . Repository unknown . The nielli of the Durazzo collection were reproduced in engravings by the owner himself, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by amateurs. Bartsch describes these copies in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution. TIB 2401.007; Duchesne, p. 160, n. 67; Zanetti, p. 99, n. 127
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Anonimo
Allegoria della Speranza
Copia, nello stesso verso, da un niello appartenuto alla collezione Durazzo oggi conservato a Parigi, Louvre, collection Rothschild. Nel nastro svolazzante l’iscrizione “SOL IN DEO SPERO”.L’iscrizione consente di identificare il soggetto come un’allegoria della Speranza. La rappresentazione della figura femminile e lo stile molto delicato possono confrontarsi con altri nielli comunemente attribuiti a a Francesco Francia (Hind, Nielli, n. 242 e n. 247). I nielli della collezione Durazzo vennero fatti riprodurre in incisioni proprio dal proprietario, tra fine XVIII e inizio XIX secolo, costituendo una serie che venne diffusa e collezionata dagli amatori. Bartsch descrive queste copie nel suo volume edito nel 1811, data che quindi costituisce il terminus ante quem per l'esecuzione. Copy, on the same verso, from a niello that belonged to the Durazzo collection, now in Paris, Louvre, Rothschild collection. Inscribed in the flattering banner “SOL IN DEO SPERO”.The inscription (Only in God I Hope) identifies the woman as an allegory of Hope. The feautures of the woman and the very delicate, but regular technique compare well with nielli usually attribued to Francesco Francia as: Hind, Nielli, n. 242 and n. 247. The nielli of the Durazzo collection were reproduced in prints by owner’s will, between the end of the 18th and the beginning of the 19th century, in Venice - as also specified by Malaspina in his catalog of 1824 - constituting a series that was circulated and collected by the amateurs. Bartsch describes these niello prints in his volume published in 1811, a date that therefore constitutes the terminus ante quem for the execution.
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